Петербургский театральный журнал
Блог «ПТЖ» — это отдельное СМИ, живущее в режиме общероссийской театральной газеты. Когда-то один из создателей журнала Леонид Попов делал в «ПТЖ» раздел «Фигаро» (Фигаро здесь, Фигаро там). Лене Попову мы и посвящаем наш блог.
16+
ARCHIVE.PHP

Джурова Татьяна

Блог

На большой сцене БДТ им. Г. А. Товстоногова состоялась премьера спектакля по современной пьесе

Игорь Шприц. «Мерси». БДТ им. Г. А. Товстоногова.
Режиссер Владимир Золотарь, художник Олег Головко

История возникновения «Мерси» в БДТ — непростая и в чем-то очень личная. Несколько лет назад Темур Чхеидзе объявил конкурс на современную пьесу, которая могла бы быть поставлена на большой сцене. Среди победителей оказалась и пьеса Игоря Шприца, переработавшего для сцены и перенесшего в настоящее коллизии «Обманщиков» Марселя Карне, одного из любимых фильмов Чхеидзе. В течение нескольких лет театр искал режиссера «под историю». В итоге им стал Владимир Золотарь. Таким образом, всё то, в чем нуждался в последнее время БДТ (современная пьеса, молодой, но уже опытный режиссёр с внятной художественной позицией, свежие актёрские силы) совпало. Но только формально.

Фильм Карне вышел в 1958 году. В нём послевоенное поколение «золотой молодежи» манифестировало отказ от любых ценностей. В сексе с первым встречным формулировался вызов французских «бунтовщиков без идеала». Уже немолодой поэтический реалист Марсель Карне всматривался в этих чужаков со стороны, но внимательно. И попирал их нигилизм любовью.

Любая, самая незамысловатая вещь хороша ко времени. Вспомните, например, сиквел мультфильма про Трубадура и его друзей, появившийся в 70-е: время ушло, а его авторы продолжали воспевать свободу и вольный дух странствий. Так и фабула пьесы Шприца — куда уместнее смотрелась бы в контексте 90-х с их апологией бунта и гимном контркультуре. Целый ряд положений этой пьесы рифмуется с поточной продукцией начала 90-х, вроде фильма «Авария — дочь мента» Михаила Туманишвили. При этом в «Мерси» гораздо больше от криминально-сериального бэкграунда самого Шприца, чем от истории Карне, и уж тем более от дыхания улицы. С последним драматург знаком скорее понаслышке, а потому скорее играет в «жанр», притягивая к нему за уши как идеологию «бунтовщиков без причины», так и конфликт поколений. Современная молодежная субкультура понимается им усредненно, как «тусовка вообще», а любой человек, младше двадцати пяти — «маргинал вообще». И он не чувствует разницы между андеграундом и просто клубом, расположенным где-то в бывшем бункере.

Сцена из спектакля «Мерси».
Фото — Сергей Ионов

Одним словом, главная интрига премьеры заключалась в том, кто кого победит: Золотарь — пьесу, или пьеса — Золотаря? Сумеет ли режиссер преодолеть дефицит «здесь и сейчас» и отсутствие социального адреса? История театра знает немало таких примеров, когда пьеса уровня «ниже среднего» начинала играть в руках умелого режиссера. С одной стороны, Золотарь достаточно умело подобрал формальный ключ, смоделировав пространство спектакля (отсылая нас к первоисточнику и подчеркивая «кинематографическое» происхождение истории).

В первой же сцене задается ракурс подачи событий: всё, что происходит на сцене — только воспоминания главного героя, юноши по имени Матвей, о любви, которую он потерял. Правда, этот приём довольно быстро перестает работать, и Матвей становится участником действия, наравне с прочими персонажами. Светом выделяется «крупный план» и уводится в тень второстепенное. Железная стена-занавес Олега Головко эффектно разрезает действие на отдельные эпизоды, а двери в ней, раскрывающиеся то по очереди, то вместе, наоборот, эти эпизоды монтируют. Бронированная фактура спектакля — говорящий знак, «доспехи», за которыми прячутся герои, скрывая свою человеческую уязвимость. Такие же говорящие знаки — раздолбанный джип, центральный элемент композиции, и мусорные пакеты, унесенные в финале ветром — суть «мыльные пузыри», лопнувшие мечты.

Однако, «кинематографизм» — только канва, по которой режиссеру приходится вышивать отношения. Вот здесь и начинаются проблемы. Золотарю не удается преодолеть мертворожденность конфликта и почвы, на которой он вырастает. Заявленная история индивидуальности и социума, репрессивного по отношению к ней, не получает поддержки и развития. В первую очередь потому, что субкультуру со сколь-либо внятной идеологией, образом жизни, манерой поведения заменяет невыразительная массовка. Ее участники — молодые актеры Алексей Винников, Юлия Дейнега, Варвара Павлова, каждый из которых заслуживает отдельного «соло», — смотрятся какими-то ряжеными. Даже обаятельный Федор Лавров в роли насмешливого «главаря», идеолога нигилизма, Антона — фигура скорее риторическая. Единственный внятный персонаж — Бэбэ (Ирина Патракова). Переросшая свою среду, горькая и умная, она раньше других догадывается о том, как непоправимо далеко могут завести «жестокие игры».

Сцена из спектакля «Мерси».
Фото — Сергей Ионов

Главный лирический дуэт (Михаил Касапов и Карина Разумовская) оказывается заложником криминально-мелодраматической схемы. Понятно, что любовь — та единственная максима, в которой Карне, Шприц и Золотарь нисколько не противоречат друг другу. Но в итоге, сколько бы ни выкладывалась постановочная группа спектакля на пути к поэтическому обобщению, драма главных героев, лишенная внятной социальной почвы, оказывается локальной, частным случаем. Девушка Мерси, мечтавшая, как ей казалось, о белом мерседесе, а на самом-то деле — о любви, безусловной и не знающей преград, оказывается жертвой инфантилизма, своего и Матвея, их неготовности признаться в чувствах, взять на себя ответственность за другого.

Вглядываясь в центральный образ спектакля — автомобиль, который молодые актеры осваивают, будто акробатический станок, ловишь себя на мысли, что текст Шприца стоило бы зарифмовать, положить на музыку, и тогда его фабула куда более уместно смотрелась бы в жанре мюзикла, условностям которого мы с удовольствием отдали бы дань.

Кушляева Оксана

Блог

Сегодня, 30 ноября, в 19.30 смотрите на «Открытой сцене» на улице Народной,1 премьеру — спектакль «Где-то и около» в постановке Екатерины Максимовой. В первый раз спектакль был сыгран на малой сцене театра Ленсовета в рамках I Лаборатории «ON.ТЕАТР» в 2009 году

Анна Яблонская. «Где-то и около». Лаборатория «ON.ТЕАТР».
Режиссер Екатерина Максимова, художник Сергей Лавор

Лабораторный эскиз Екатерины Максимовой «Где-то и около» по одноименной пьесе Анны Яблонской разваливался, раздваивался в его жанрово-стилевой составляющей. Карикатурных персонажей Яблонской (старую деву Надю, писателя-неудачника Мишу, отца-одиночку Толю и некого абстрактного парня-луча, являющегося то Наде, то Мише) режиссер погрузила в бытовые, этюдным способом найденные «предлагаемые». Пьеса тогда казалась излишне сентиментальной, «переплаканной», а история Нади, ищущей свое счастье в газете для платных объявлений, в перерывах разговаривающей с материализовавшимся солнечным лучом, из обобщения превращалась в частный клинический случай.

Сцена из спектакля «Где-то и около».
Фото — Татьяна Иванова

Перерабатывая эскиз в спектакль, режиссер первым делом сменила прописку истории, перенеся действие из абстрактного провинциального городка в мифический Петербург. Художник Сергей Лавор сочинил спектаклю поэтическое пространство — легкую, не претенциозную, но точную метафору засасывающего, ирреального города. В темном помещении Малой сцены театра Ленсовета при помощи бумажного скотча и мела художник обозначил опрокинутую набок перспективу двора колодца: окна, уходящие вглубь, и в самом конце крошечный кусочек неба, телевизионные антенны, две чайки. На стенах за окнами нарисованные мелом памятник Достоевскому (слева, это пространство Миши), телевизор, на экране которого идет бесконечный боевик (справа, квартира Толика), в центре основное место действия — обшарпанный офис газетенки брачных объявлений. Здесь работает непризнанный поэт Миша (Александр Марушев) — долговязый, лысый, неуклюжий; сюда же, как на работу (в поисках идеальной матери для своих детей), приходит «простой русский мужик» Толик (Алексей Фокин), мат из уст которого звучит органичнее народных напевов. И именно на них двоих как снег на голову, вместе с воображаемым Лучом и другими тараканами в голове, сваливается некая Надя, одинокая мечтательница, князь Мышкин в юбке: всех готова и пожалеть и полюбить.

Таким образом, встраиваясь в петербургский культурный контекст, спектакль обретает и стиль и жанр, а отсылка к Достоевскому, не слишком убедительная в пьесе, оказалась здесь завязкой. Нелепые, смешные герои спектакля — это три заплутавшие души, упавшие в фантасмагорический город-колодец, затонувшие в нем, пропитавшиеся «достоевщиной», сквозняком ползущей изо всех петербургских щелей. У каждого из них в прошлом своя драма: от Толика ушла жена, у Миши не сложилась карьера, на «жигуленке» разбился брат Нади (теперь он является иногда, представляясь лучом). Однако, в отличие от героев Достоевского, в персонажах этих при близком рассмотрении нет ничего исключительного.

Екатерина Максимова сочиняет петербургскую сказку, в которой никто не напишет гениальную поэму, не найдет идеальную жену и не родит ребеночка, как мечталось, в которой каждый останется наедине с собой, при своем (пусть даже свое — это только Луч в воображении) — и это самый счастливый конец. И напрасно Надя (Ирина Саликова) в отчаянии кричит своему воображаемому другу «У тебя жопы нет!», Луч в исполнении Владимира Крылова оказывается куда реальнее, лучше, чем этот мир-колодец вокруг…

admin

Пресса

БДТ имени Товстоногова показал на большой сцене премьеру cпектакля режиссера Владимира Золотаря «Мерси», поставленного по cпециально написанной для этого театра пьесе петербургского драматурга Игоря Шприца. Cмотрела ЕЛЕНА ГЕРУСОВА.

Владимир Золотарь — молодой, но уже очень известный режиссер, чуть не программный бунтарь. Помимо сугубо художественных достижений имеет и опыт реальной борьбы — летом 2009 года голодовка его труппы против административной бюрократии в Нижегородском ТЮЗе, что называется, имела резонанс. Игорь Шприц — cпокойный автор так называемых хорошо сделанных пьес. До сегодняшнего дня cамой востребованной театрами его работой были «Проделки Эмиля», по Астрид Линдгрен. Но, пожалуй, более широко господин Шприц известен как сценарист — на его счету немало «ментовских» сериалов.

«Мерси» тоже очень похожа на кинодраму. Синефилам эта история не случайно напоминает «Обманщиков» Марселя Карне. За кулисами рассказывают, что такова и была созревшая в недрах театра идея — cделать ремейк знаменитого фильма. На сцене и спустя чуть более полувека получилось так: будущий адвокат Матвей вступается перед милиционером за девушку, играющую на флейте в переходе метро, и вроде бы сильно дает ему куда-то в рыло, но c указанием статей о необходимой самообороне. Приходится бежать, девушка приводит его в подземный бункер, то ли клуб, то ли притон. Он из хорошей семьи, она — почти уличная девчонка. Они, понятное дело, влюбляются. Далее следует спасение кошки, бессмысленная измена, продажа амурного компромата, слепота родителей и предательство детей, покупка вожделенного белого «Мерседеса», ccора, гибель. Из этой кучи, собственно, и название пьесы: Мерси — это кличка героини. Драматург дал пьесе жанровый подзаголовок «печальная история».

Но в постановке Владимира Золотаря авантюрная мелодрама превратилась в жесткую социальную драму. Художник Олег Головко установил на авансцене подъемные железные щиты и поставил несколько безнадежно раскуроченных старых автомобилей. Может, когда-то и о них кто-то мечтал. Похожее на свалку металлолома, закрытое от жизни пространство. По сцене летают черные мусорные мешки, герои надувают их как воздушные шарики. Cловом, нежные мечты здесь не в чести.

В спектакле сентиментальная лирика и детективные хитросплетения сюжета отодвигаются на тридцать третий план. На первый выходит портрет молодежного эскапизма. И что важно, изложен он не только в сочувственной риторике «легко ли быть молодым». Но и предъявляет счет поколению утративших представления о верности, cменивших дружбу на тусовку, а любовь на секс. Цинично предавших своих далеко не идеальных, но все же родителей. Но от того еще более страдающих, бесприютных, живущих в полукриминальных-полуподпольных клубах весело, как в аду.

В пьесе этот счет приблизителен и схематичен. Но для спектакля, наверное, даже и неплохо, что Игорь Шприц путает понятие субкультуры с тусовкой, а проблемы молодежи здесь не так уж остро современны, такая пьеса вполне могла быть написана и четверть века назад. Однако эти несовершенства позволяют режиссеру не становиться арбитром или прокурором в споре отцов и детей, тем более что и спора то здесь никакого нет, скорее общая взаимная усталость. Но дают возможность показать трагедию нигилизма на должном уровне обобщения.

В спектакле ярко и азартно работает целая группа молодых актеров БДТ. Исполнители главных ролей Михаил Касапов и Карина Разумовская хрупкую историю едва зародившейся любви своих героев играют c точноcтью, болью и пониманием. Но в молодежном социуме, где герои бравируют тем, что живут одним днем, без всяких мыслей о будущем, у любого настоящего чувства просто нет шансов на выживание.

Заняв в бункере позиции плотной обороны от реальной жизни, коллективный герой спектакля оказывается вовсе не в крепости, а в ловушке. Сцена автомобильной погони, в которой разбивается героиня, решена режиссером как два пульсирующих монолога у микрофонов. Актеры играют эту сцену очень сосредоточенно и напряженно, но из всего потока фраз главным оказывается запоздалое: «Не надо так быстро жить». После гибели Мерси становится донором органов. Cимволический план здесь понятен; будущее есть, но cвои права оно может заявлять очень жестоко.

Тут бы и остановиться. Но пьеса все-таки ставит спектаклю финальную подножку, после которой сложно подняться. Милиционер натыкается на Матвея в метро, на месте их первой встречи с Мерси, подсказывает слова заупокойной молитвы и даже отпускает грехи за собственное поврежденное лицо с диким текстом про «нос — не душа», сломал — не страшно. Такой понимающий и хороший мент, и дубинку на девушку, оказывается, поднимал из лучших побуждений: хотел познакомиться. Отлично для «мыла». Но не тот уровень литературы, на который должна претендовать сцена БДТ.

admin

Пресса

Андрей Шимко играет Виктора Зилова. Это снова русская сага о лишнем человеке. На этот раз — сравнительно весёлая. Ведь в семидесятые годы ХХ века мрачнее пьесы не было, и мрачнее спектаклей, чем по ней, — тоже. Но весёлость ХХI века, которую обнаруживают в ней режиссёр и актёр, особого свойства. Тоской по жизни можно назвать сквозную линию образа Зилова. Смех сквозь слёзы, любовь, похожая на ненависть, радость, перебиваемая отчаянием, составляют партитуру роли. Зилов у Шимко — не конченый человек, не плут, не циничный обманщик, не больной с диагнозом алкоголизм. Простые объяснения прошедшего времени не годятся. Теперь это человек, одержимый желанием жить. Сборы на охоту и нетерпеливое ожидание погоды — его темпоритм, в котором слабые доли падают на разочарования, сильные — на надежды. Шимко играет Зилова так, что веришь в его искренность во всякую минуту. Разве не чудовищно его предательство, переменчивость настроений, забвение добра и зла? Да нет, поскольку Зилов любит жену, Веру и Иру. Веришь его слезам по умершему отцу и раскаянию. Веришь и тому, что боль, страх, стыд он торопится снять новорождёнными эмоциями, смыть слезами, потопить в водке и заглушить смехом.

Самый быстрый способ убежать от объяснений, обвинений, оправданий — нестись дальше, по кругу, пока не упадёшь замертво. Невероятная смесь ощущений мучает самого Зилова. Одно вызывает в Зилове ужас — метеопрогноз. Дождь. Против него нет ни аргументов, ни отклика души. Дождь — монотонный подтекст зиловской драмы. Дождь — заключающий её, почти бесшумный для нас, зрителей, и громовый для Зилова аккорд финала. Уже вооружившись всей необходимой амуницией для утиной охоты, готовый к этой мужской серьёзной забаве, перешагнувший через «кризис среднего возраста», Зилов слышит, как за окном снова подкрадывается к нему дождь. И глаза его расширяются от неотвратимости — смерти? Судьбы? Так что по этой версии он никуда не убежал. Не выздоровел.

Для роли Зилова имеет особое значение актёрская предысто¬рия Шимко, по преимуществу комедийная. В Зилове эта природная комедийность не истреблена, не заменена чем-то противоположным, искусствен¬-ным — она пущена по другим рельсам, она выровнена, уравновешена внутренним драматическим смыслом, отчего и выходки Зилова, его насмешки, юмор, его гримасы, как будто занятые у прежнего Шимко, не кажутся безмятежно весёлыми, простецкими. Нет, в них чувствуется раздражение, агрессия, тайная тоска. Когда Зилов пытается растормошить Галину, заставить её вспомнить их первое свиданиие, он ведёт себя, как клоун, но как только проясняется, что Галина всё помнит, а он всё забыл, маскировка падает, и он в ярости. Для любого современного актёра Зилов — мечта. Пробы сыграть его после спектаклей Ефима Падве и Олега Ефремова, после Олега Даля, заканчивались неудачами, плоскими иллюстрациями к объёмной теме. Для Шимко эта роль вдвойне трудна, и если он справился с нею — а это именно так, — то благодаря и режиссёру тоже, не только благодаря тому, что смог одолеть границы отпущенного ему природой амплуа. Развивать роль в диалектике комизма-драматизма дальше Шимко ещё предстоит.

Режиссёр этой «Утиной охоты», Александр Кладько, выстоял за драматурга всю «службу». Спектакль идёт чуть более четырёх часов, и нельзя сказать, что идёт на сцене, потому что её нет, а есть вытянутая кишка не¬удобного помещения, с минимумом технических удобств, и актёры постоянно на крупном плане, так что глаза в глаза, а реквизит под ногами у первого из трёх рядов. Но, думаю, где-нибудь в ярусном великолепии это произведение не шло бы в большем логическом порядке, с такой неумолимой правдивостью, как здесь. Здесь все, как на духу, прикрыться нечем, а позади, за спинами актёров — стена, сплошная преграда из подвижных щитов белого, а в последнем акте — чёрного цвета. Художник спектакля Борис Шлямин работал в полном понимании замысла. Горизонталь игровой площадки слева завершается уголком кафе, поблёскивающим дешёвыми синими огоньками, а между неумолимых ширм — индивидуальные столы-ловушки ЦБНТИ, где как бы трудятся Зилов и Саяпин. Длинное, безнадёжное пространство с изрядно потёртой раскладушкой в центре и тремя чемоданами — на которых, положив сверху дверь, устраивают и новоселье, и банкет в честь отпуска — и есть жизненное пространство Зилова: пустое, запертое с двух сторон, тесное, тупиковое. Пространство одиночества — и публичности, без спросу в него вторгающейся. Проходной двор. Напоследок временная необжитость новой квартиры преображается в торжественную чёрно-белую парадность: белая скатерть, белые чехлы на стульях, чёрно-белые тарелки, приборы и бокалы возле каждой, нарядные туалеты гостей… Официант Дима не успевает всё накрыть, как приходится всё собирать обратно ввиду разгоревшегося скандала.

Официант Дима (Валентин Кузнецов) — личность не простая. Режиссёр идёт вслед за драматургом до последнего слова — вот она, верность источнику! И вдруг, как в кювете с проявителем, возникают резко очерченные фигуры: охотник, бьющий птицу влёт, единственный удачливый охотник — Дима. А Зилов — утка, которую охотник выждал. Вокруг не выстрелившего ружья Зилова группируются самые напряжённые сцены. Вампиловского текста — минимум, сценический текст Кладько, Шимко, Кузнецова — самодостаточен. Дима с каким-то пренебрежением кидает в руки Зилова ружьё и провоцирует его на выстрел, запуская дуло себе в рот, приставляя к сердцу и голове. Дима проверяет охотничью хватку Зилова — не готов. Зато сам Дима, один на один с «уткой», жертвой, — боец. Сцена танца-избиения Зилова занимает несколько минут, и кажется, что они длятся много больше, чем положено по секундомеру. Надев белые перчатки и словно примеряясь к ритму «Эх, раз, ещё раз», к голосу Владимира Высоцкого, Дима мотает Зилова из стороны в сторону, нанося удар за ударом, крутя его безвольное пьяное тело, пока тот не рухнет на стол. И брезгливо прикрывает его скатертью, словно мусор, бросовый трофей. Имени хореографа в программке нет, но чтобы так исполнить танец мужской мести и мужского безволия — обоим, Шимко и Кузнецову, — недостаточно переживания или представления. Требуется, да ещё на таком пятачке, точный хореографический расчёт. Актёры считают без промаха, до секунд.

Лишний человек на сегодняшней сцене, в сего¬дняшней жизни — какое жалкое, загнанное создание. И никто не знает, как ему помочь. «И все оставили его…» — одни из трусости, другие из жестокости. Такую метаморфозу совершила «Утиная охота». Честно говоря, не верилось, что пьеса кому-то по-настоящему нужна, что она жива не формально, а по своей сути. В раскрытых настежь изъянах человеческой души, бесприютной, безнадёжно больной, хронически не отделяющей света от тьмы, а добро от зла. Души человека, а не охотника.

admin

2010/2011

  • Анна Яблонская
  • ГДЕ-ТО И ОКОЛО
  • РежиссерЕкатерина МАКСИМОВА
  • ХудожникСергей ЛАВОР
  • Действующие лица и исполнители
  • НадяИрина САЛИКОВА
  • ЛучВладимир КРЫЛОВ
  • ТоликАлексей ФОКИН
  • МишаАлександр МАРУШЕВ
  • Спектакль идет 1 час 20 минут без антракта
  • admin

    Пресса

    «Приют комедианта» выпустил очередную премьеру с изюминкой. Молодой режиссер Ксения Митрофанова весьма по-свойски обошлась с провокационной пьесой французского драматурга, писателя и эссеиста Жана Жене «Служанки». При этом старожилам еще помнится культурный шок от постановки Романа Виктюка образца 1988 года в «Сатириконе», где служанками были порочно-томные танцовщики, в броском гриме и в балетных пачках, а сам скандальный спектакль явил отечественному театру той поры образчик новой, экстравагантной театральности.

    Заряженная частица

    Ксению Митрофанову, ученицу Юрия Красовского, выпускницу Петербургской театральной академии трехлетней давности, в городе уже успели оценить как самодостаточную творческую единицу. Более всего ее творческой активности подходит эпитет «нестандартная». Или «энергичная»: от Митрофановой можно подзаряжаться, как от батарейки. Ею можно восхищаться, как чудо-ребенком, но правильнее — уважать. У хрупкой на вид девушки со смешинками в глазах внутри стальная пружина и взрывной темперамент.

    Ее эскиз «Прекрасное далеко» по пьесе Данилы Привалова был признан одним из лучших на прошлогодней молодежной режиссерской лаборатории ON.ТЕАТР, где Митрофанову, к слову, и заприметил директор — художественный руководитель «Приюта комедианта» Виктор Минков, последовательно продвигающий молодых и талантливых в своем театре. Театральный проект «Площадка» в клубе «Эфир» на Петроградской стараниями Митрофановой с весны этого года обрел смелые разножанровые театральные постановки в свободном европейском духе, напрочь лишенном академичной напыщенности. Наконец, энергичная Митрофанова создала театр «ТЧК», который играет в Музее Достоевского — Мекке высококачественных камерных антреприз. И вот — премьера, в которой экстравагантности не меньше, чем у Виктюка, но совершенно иного толка.

    По два раза

    Театр парадокса, задуманный Жене и возведенный в степень Виктюком, у Митрофановой торжествует и приобретает интеллектуальное решение. Смотришь спектакль и чувствуешь себя студентом, которому для усвоения материала преподаватель талдычит все по два раза, по два раза. Роли сестриц-служанок Клер и Соланж исполняют, чередуясь, две женщины и двое мужчин (Галина Самойлова, Светлана Михайлова, Иван Стрелкин и Максим Диденко), их хозяек — мадам — также двое, обоих полов (Татьяна Морозова и Антон Мошечков), и появляются они также в очередь по ходу пьесы. В итоге каждую сцену играют дважды, в мужской и женской интерпретации, практически не меняя повторяемых реплик. А репетировали «мужскую» и «женскую» части спектакля отдельно, как во времена раздельного обучения в школах для мальчиков и девочек.

    Результат хитрая и циничная Митрофанова предпочитает обозначать жанром «би-фарс». А получилось лаконично и смешно. Как шампунь «два в одном».

    Красота в головах

    Ситуация, когда служанки и госпожа взаимно недовольны друг другом и социумом, усилиями постановочной бригады выглядит максимально условной. Сцена устлана белым косматым паласом, и искусственные волокна липнут к одежде и обуви, марая репутацию персонажей. Синтетика и синтез (искусств, полов, времен, настроений) призваны выделять истины: мир — театр, люди играют в игры, порой заигрываясь до того, что после почти невозможно исправить то, что они однажды в азарте наворотили.

    Пластика «Служанок» специфична. Отдельных танцевальных номеров нет. Татьяна Тарабанова, дока современной хореографии, справила спектаклю такое сценическое движение, когда артист может произнести: «Я лягу» — и плавно опрокинуться навзничь; когда один другого играючи подхватывает на руки; когда прыжки цирковой ловкости совершаются, словно в рапиде, и способствуют пресловутой «би-фарсовости» происходящего.

    Особый звукоряд спектакля создают миксы немецких и французских песен, на фоне которых проецируются стилизованные черно-белые кадры хроники, мычание и манерное растягивание гласных в отдельных словах, гудеж серебряной посуды.

    Служанки разыгрывают сведение счетов со своей госпожой в оккупированной немцами Франции. Отсюда — костюмы, от которых сквозит сдержанностью и шиком одновременно. Режиссура и сценография — лаконичны, пластика и свет — схематичны, артисты во всем этом высокотехничны. Выделяются двое: Татьяна Морозова — Мадам, характерная и смешная, как грустный рыжий клоун, от которого глаз не оторвать, и Максим Диденко, знаменитый и гуттаперчевый «альтернативщик», выходец из театров DEREVO и «АХЕ», играющий служанку Соланж.

    Есть еще холодная ирония, демонстративный формализм, умное кокетство. Евгений Ганзбург наколдовал на сцене свет, вызывающий дух Марлен Дитрих. Сергей Илларионов пошил костюмы так, что манто хозяйки, к примеру, запросто может быть кителем, а его обладательница — стройным и манерным Штирлицем. Иногда все эти ребята позволяют себе поиграть с грамматикой, подчеркивая условность происходящего. Так, Соланж в ерническом исполнении Диденко вдруг возьми да и заяви: «Я — хороший… служанка». Не будь у Митрофановой такого особенного мышления, чуждого стереотипам, и подчас нагловатого чувства юмора, не получались бы у нее столь впечатляющие свободомыслием спектакли-события.

    admin

    Пресса

    Философская притча Евгения Шварца о свободе и рабстве, о борьбе с тиранией и с внутренними драконами считается самым острым и горьким сочинением великого драматурга-сказочника, о чем свидетельствует история ее постановок.

    Первая постановка, предпринятая Н. П. Акимовым в Ленинградском театре Комедии во время войны, была запрещена по личному указанию Сталина. Пьеса, попавшая под запрет, не ставилась в СССР до 1962 года, когда Николай Акимов на сцене Театра Комедии все-таки осуществил давно задуманную постановку. Спектакль «Дракон» стал громким событием.

    В 1988 году Марк Захаров снял свой знаменитый фильм «Убить дракона» и так совпало, что как раз этот фильм показали по телевизору в день премьеры спектакля «Дракон» в театре Ленсовета. Но, увы, Ланцелоты нынче в дефиците, и Драконы измельчали, притворяясь мелкими пакостниками. Похоже, молодой режиссер Андрей Корионов в спектакле повел разговор именно о Драконах и Ланцелотах безгеройного времени. Судя по всему, большим событием «Дракон» не стал, хотя Корионов с недавнеrго времени привлекает внимание театрального Петербурга.

    Спектакль начинается эффектно. Ярко подсвеченный фонтан из человеческих тел (режиссер по пластике Игорь Григурко) группируется вокруг центральной фигуры Дракона. Тот как бы рождается из этой человеческой магмы и возвышается над ней. Действие происходит в каком-то безжизненном пространстве, пронизанном металлическими трубами, напоминающем не то гигантскую котельную, не то заброшенную космическую станцию (сценограф Ирина Долгова). Сюда и прибредает странствующий рыцарь Ланцелот, уставший от собственных подвигов (в его роли артист Сергей Перегудов). Печальной, какой-то безжизненной предстанет перед ним Эльза (Дарья Циберкина), затянутая в строгое, тяжелое платье. Самым живым в этом депрессивном мире представляется Дракон Сергея Мигицко, вот уж действительно душечка, летун-хлопотун. Мигицко изображает увлеченного игрока, талантливого демагога, лицемера, упивающегося своим артистизмом, умением манипулировать людьми. Он, как на подиуме, меняет сногсшибательные костюмы, парики, кажется, он лишь исполняет роль Дракона, а странника он же и назначил на роль Ланцелота, затеяв с ним игру в «драконы-рыцари», а тот возьми и отнесись к этому всерьез, да и снеси дракону все три башки.

    Вот тут и начинаются нестыковки, поскольку неясно, что подвигло героя Перегудова на героические подвиги. Этот усталый и не очень юный Ланцелот — человек со стороны, наблюдающий все сумрачно и отстраненно. Но что все-таки движет его персонажем? Любовь? Но как-то трудно поверить в любовь к этой конформистке Эльзе, которая проявляет полную готовность подчиниться Дракону в любом его обличье. Реплику «Дай лапку, Эльза» режиссер развивает: Дракон требует показать ножку, выше, еще выше… Эльза эффектно демонстрирует, целует Дракону руку, потом она так же будет целовать руку Бургомистру, а в финале Ланцелоту, приобретшему драконьи замашки.

    Любовь к людям? Желание вывести их к счастью и свободе, пусть и насильно? Сложные коллизии, связанные с этим процессом, угадываются в пьесе, однако в спектакле горожане представлены настолько карикатурно — нелепый грим, дурацкие прически, ужимки, пискляво-квакающие голоса… Похоже, Дракон изуродовал не столько души, сколько тела. Да, Щварц относился к населяющему его пьесы народу с горькой иронией, но постоянно напоминал: «И все-таки они люди!» Ради уродливых марионеток, существующих в спектакле, жертвовать жизнью действительно глупо.

    Ладно, примем это как условие игры. На пути к битве возникнет немало игровых моментов: Дракон продемонстрирует свою любовь к детям, потом под аккомпанемент виолончели споет дуэтом с Ланцелотом «Песню о друге» («Если радость на всех одна…»). Рука Дракона на плече Ланцелота… Ох и неуютно, наверно, Евгению Шварцу там, где он сейчас находится…

    В спектакле заявлен, на мой взгляд, ряд сильных мотивов, не противоречащих Шварцу, у которого живые, интересные, конфликтные герои — это всегда люди играющие. Как и говорилось, именно этим замечателен новоявленный Дракон — этакий продюсер шоу-бизнеса, требующий в жертву все новых и новых девушек. Страшнее тот, кто оказывается не способен на игру. Бургомистр Александра Сулимова в первом действии лицедействовал, притворяясь безумным, во втором он отвратительно нормален, если не считать безумием упоение властью, в чем новоявленный властитель стал еще опаснее Дракона. Расправляясь с тираном, рискуешь породить еще более страшного злодея — один из мотивов спектакля. А если учесть, что дракон не только вовне, но и внутри каждого из нас, то такая линия развития должна бы внушать тревогу. Как сказал бы современник Шварца Даниил Хармс: «И всем стало как-то не по себе». Но почему-то не становится.

    В спектакле была заявка на актуальное пессимистическое высказывание: зло проявляется ярко и талантливо, добро безлико и пассивно. Героев нынче нет, а если кто и дерзает, то, в конечном итоге, все равно превращается в дракона. И этому нечего противопоставить, поскольку любви тоже нет. И мы, люди, не изжившие в себе дракона, только Драконов во власти и заслуживаем. Но эти линии при желании домысливаешь, в спектакле они логически не достроены, какую ни возьмешь — обрывается. И вот странный эффект — блистательный текст Евгения Шварца, почти полностью сохраненный, звучит как-то глухо. Зритель явственно откликается только на реплику: «Все-таки он хоть и президент, а человек». Текст вступил в явное противоречие с действиями героев спектакля, а эта пьеса — хорошая литература, выражающая суть мировоззрения персонажей. И хороший, интересный режиссер Андрей Корионов вместо диалога с пьесой попытался насильственно втиснуть ее в концепцию, в избранную форму. Заявка была на сатирическую притчу, а в результате получилось довольно качественное шоу — с музыкой, танцами, переодеваниями, внешними эффектами. В принципе, тоже результат. Вопрос в том, насколько он характерен для творческой эволюции молодого режиссера.

    admin

    Пресса

    «Америка. Часть вторая» Биляны Срблянович — необременительное дамское рукоделие, вышивка на актуальные темы. С любовным треугольником, патетическими речами, каким-никаким сюжетом: некто Карл теряет работу, его женатый друг Даниэль спит с русской манекенщицей-наркоманкой и сам умирает от передозировки, все бросают Карла на произвол судьбы, Карл кидается под поезд в метро. Проходная мелодрама. И не было бы повода для разговора, если бы не поставил «Америку» Пётр Шерешевский — режиссёр, обладающий редким умением: на основе плохой пьесы сделать хороший спектакль.

    Весь спектакль балансирует на грани пародии. Жестокая усмешка прячется в усах трагедии. Всё всерьёз, с проживанием, с полной вроде бы искренностью — но в какой-то момент и проживания, и искренности становится чуть больше, чем следовало бы для истинного драматического изложения. Немного чересчур старательна походка манекенщицы, немного чересчур простовата продавщица, немного чересчур раскованна жена Даниэля, немного чересчур — такое тоже возможно — навязчив бомж в метро, услужливый официант приносит десерт в шести руках, а на свежей могиле Даниэля в мгновение вырастают и распускаются бордовые розочки. И даже старуха, такая домашняя и уютная, полспектакля сидящая на авансцене, такая любящая и тоскующая мать, — и та наговаривает на автоответчик один и тот же текст с одними и теми же интонациями, и на очередном повторении кажется, что с автоответчиком говорит другой автоответчик, и цена этому страданию — ломаный цент в ярмарочный день. Один лишь Карл — настоящий. Оттого и гибнет. Мир Карла Россмана, рухнувший в одночасье, никогда не существовал. Только Карл об этом не догадывался. В отличие от Франца Кафки.

    Да, главного героя «Америки-2» зовут Карл Россман, и это отсылает образованного зрителя к «Америке», роману Кафки. С этого места образованный зритель может сам всё домыслить и про героя, и про идею, и выводы сделает, и всё на основании Кафки, — это такой псевдопостмодернизм, игра со зрителем в поддавки. При таком раскладе собственно вторая «Америка» уже и не имеет особого значения. Шерешевский предложенную игру отвергает сразу же и решительно, вводя в текст спектакля цитаты из самого Кафки, чётко разграничивая великих и ничтожных, эпос и хронику, демиурга и творения его. И уже не поддавки на сцене, а шахматная композиция, не мир Кафки, а мир после Кафки, холодная конструкция, комбинации фигур, ничего не испытывающих друг к другу, разыгрывающих очередную партию, не более того. Святочный рассказ об одиноком эмигранте Карле конферируют два дзанни, два Санта Клауса, один вальяжный, другой дёрганый: бодро и тщательно артикулируют ремарки, декламируют кафкианские цитаты, открывают занавес. Человеческая жизнь становится мелким развлечением рождественских дедов, глумящихся над подвернувшимися под руку неудачниками. Равнодушные святые — страшноватая квинтэссенция апокалиптической современности. Они беззастенчиво играют предоставленными им человечками, не особо прислушиваясь к писку своих игрушек. Карлу поставят мат в четыре хода, а сколько при этом будет пожертвовано фигур — не имеет никакого значения ни для фигур, ни для Клаусов.

    Чёрное пространство, в котором делают вид, что живут, персонажи, не просто не приспособлено для жизни. Оно ей противопоказано. Яркие пятна жёлтого цвета отвратительного оттенка — световые столбы, подушки на дорогом диване, резиновые перчатки мойщика посуды, украсившие потом рождественскую ёлочку, — режут глаз. На то и расчёт. «Warning!» — кричит пространство. Чёрно-жёлтая окраска — последнее предупреждение, цвета смерти, знак радиации. Территория повышенной опасности, заражённая зона. Заражённая фальшью и пошлостью, насквозь пропитавшими реальность: как искусственный снег, которым один Санта забрасывает другого, как объятия, нарисованные на платье, как сильный голос подтянутой безутешной вдовы, исполняющей зонг над могилой, как панорама дорогой квартиры, как приветливая улыбка швейцара. Когда Клаусы немного раздвигают занавес, чтобы впервые показать зрителю своего героя, прорезь занавеса принимает форму конфетного фантика. Суть бытия человеческого сводится к фантикам разных видов. Шерешевский собрал свою «Америку» из ме¬та¬фор откровенных, жёстких и точных. Лёгкий матерок и истерические злободневные пассажи самой пьесы на этом фоне уже мало что значат. Текст спектакля неназойливо, но ежеминутно провоцирует зрителя: рискни, назови вещь её настоящим именем, не жди, пока тебе это имя назовут другие. Впрочем, можно и не поддаваться на провокацию, спокойно счесть это китчевой поделкой и продолжать шуршать фантиками. Какая разница. Всё равно хладнокровный Санта Клаус придёт за тобой.

    admin

    Пресса

    По научной классификации, театры делятся на джинсовые и турнюрно-камзольные. В театрах остросовременных короли и королевы ходят в джинсах и трениках. В Академическом театре Комедии по акимовской традиции любят красочность исторических костюмов. Сомерсет Моэм не забирается вглубь веков, но эпоха модерна тоже очень эффектна. И те, кто питают слабость к району Эшампле в Барселоне, плакатам Альфонса Мухи, получат на премьере в театре Комедии удовольствие. Художник Андрей Климов постарался усладить наш глаз как оформлением, так и причудливыми платьями. Впрочем, я не берусь прочертить грань между дамой из светского общества и опереточной дивой с перьями на макушке. По крайней мере, Татьяна Полонская, Наталья Андреева и Алиса Попова щеголяют в фантазийных туалетах а ля модерн с видимым удовольствием.

    Однако театр Комедии не принадлежит к разряду молчаливо-многозначительных. Мимические действия на полчаса в духе Андрiя Жолдака для него неприемлемы. Театру нужна крпкая пьеса, лучше классическая. Опять же, по традиции Акимова, желательно с интригой. А кто более других способен к интриге? Конечно, женщина. Едва успев выпустить «Хитрую вдову» по К. Гольдони, театр призвал на сцену другую вдовушку. На сей раз англичанку миссис Дот (Татьяна Полонская). Независимо от национальности сценические вдовы норовят выйти замуж. Вокруг этого и крутится действие.

    Если оставить в покое интернациональный мотив предприимчивых аппетитных вдов, в пьесе очевидны следы влияния Оскара Уайльда, точнее, выдающейся комедии «Как важно быть серьезным». Моэм за свои 92 года написал множество произведений в разных жанрах и стилях — мы знаем лишь малую часть. Но к Уайльду относился с особым пиететом. В театре Комедии пьеса «Как важно быть серьезным» живет довольно долго и успешно, но сейчас спектакль близок к завершению своего земного существования, и очевидно, что ему требуется замена. Полонская по Уайльду была «маленькой Сесили» — теперь стала зрелой Дороти. Хотя ту и другую объединяет упрямое желание, закусив губу, вздернув курносый носик, получить желанного мужчину и способность подчинить всех несгибаемой женской воле.

    В отличие от Моэма и Уайльда, режиссер Вадим Данцигер с иронией относится к «дендизму», английским манерам, поэтому попытался придать комедии оттенок пародийности. Пока держат стиль и «спину» только Александр Васильев (респектабельный дворецкий Чарльз), Наталья Андреева (леди Зеленджер) и Валерия Киселева (Эмили Макгрегор). Пародийность сказывается и в шуточных дивертисментах на индийские и оперные мотивы (например, мужской балет с музыкой из «Травиаты»).

    Главный герой Джеральд Гальстан (его и добивается Дороти) в исполнении Дениса Зайцева трогателен, нервен, временами самоотвержен, но слишком пытается быть смешным. Я слезно прошу молодого актера не прихахатывать после каждой остроты. Английский юмор флегматичен и не стремится к бурному веселью в зале. Драма британского джентльмена в том, что, будучи человеком порядочным, он не может не объясниться в любви девушке, женщине, оказавшись с ней наедине. Ведь она ждет! Объяснившись, надо жениться. Ужас (или счастье) в том, что на всех жениться нельзя! Вот Дороти и берет на себя обязанность стать навигатором Гальстана в море женщин.

    Как известно, у самого Моэма были гендерные проблемы. У него, правда, случился один неудачный брачный эпизод. Как порядочный человек, писатель женился в год Великой Октябрьской социалистической революции, но вскоре охладел к жене и дочери. Последние десятилетия своей жизни Моэм обходился без лиц противоположного пола. Женщины Моэма всегда либо хитры («Театр»), либо подвержены тлетворному влиянию («Маг»). Закономерно, что в этой ситуации наиболее привлекательным в пьесе оказался Джеймс Бленкинсол, панически боящийся брака и подставленный Дороти в качестве наживки для неустойчивого, ревнивого Джеральда. Андрей Толшин (Джеймс) сыграл в театре немало ролей, но, пожалуй, только в нынешней премьере показал, на что он способен. Рядом с фигурами, слегка намеченными, Джеймс достаточно подробно прорисован, противоречив. Его переживаниям нельзя не посочувствовать. Что оригинально для комедии положений. В противовес рефлексирующему Бленкинсолу радуют ничего не соображающие молодые влюбленные Нелли и Фреди (Алиса Попова и Алексей Красноцветов). Дебютанты в этих ролях дурачатся и наивничают вволю.

    Однако в постановке есть загадка, она меня до сих пор мучает. Между регтаймов и прочих танцев начала XX века постоянно врывался жуткий крик павлина, царствующего в изящно подстриженном английском саду. Когда герои комедии в финале благополучно совершили свои брачные глупости, из темноты высунулась морда (лицо) павлина. Птица надсадно закричала, широко разинув клюв. Чем павлин возмущался? От чего страдал? Вот бы узнать.

    admin

    Пресса

    Если вы надеетесь посмотреть добрую и светлую сказку, спектакль «Дракон» — не для вас. Но, если вам небезынтересно поразмышлять о судьбах современных людей, о сущности нашего времени, спектакль — то, что вам надо.

    Своеобразие режиссерского взгляда, как на пьесу, так и на нашу современную жизнь, которая изображена через призму сказки Шварца, Андрей Корионов демонстрирует ярко и сразу же, в самом начале спектакля. Посреди индустриального пейзажа — затейливо скрученных конструкций из труб — находится «адское озеро» (кастрюля, освещенная оранжевыми софитами, из которой валит дым), над ним сгрудилась причудливая композиция из тел, похожая на гигантскую гидру. Но все это — лишь метафорическое тело Дракона. Люди, из которых он вынул души, обезличив их.

    В городе остались, правда, некоторые единицы, сохранившие хотя бы цвет человеческой кожи. Это — архивариус Шарлемань (Евгений Филатов) и Эльза (Дарья Циберкина). Но и они подвластны Дракону. Когда «народ», а точнее, землистые обездушенные манекены, марионеточно дергаются вокруг сцены, на которой возвышается Дракон (Сергей Мигицко), Эльза начинает непроизвольно совершать те же резкие движения. И даже Ланцелот (Сергей Перегудов) — странствующий рыцарь, убивающий драконов — еле сдерживает себя, чтобы не поддаться этому завораживающему ритму. В этом причудливо-ужасающем танце Корионов показал ту невидимую, но действенную силу, которой Дракон подчинил себе людей.

    Но есть ли что-то, что может противостоять этой власти? Режиссер отвечает на этот вопрос. Да — свобода выбора и любовь, которая помогает осознать себя личностью и вновь почувствовать вкус к жизни. Эльза не хотела жить, пока не узнала настоящую любовь. И, даже, когда она поверила в смерть Ланцелота, она не перестала помнить его любовь и его жертву, как не перестала быть свободной и верной себе.

    А Ланцелот перестал. Конец спектакля — поражает. Не то удивительно, что жители города привыкли к власти Дракона и уже не могли жить без него, а то, что Ланцелот изменился. И стал вторым Драконом. Почему это произошло? — спектакль не дает внятного ответа на этот вопрос. И можно предположить только одно. Этот рыцарь, убивший Дракона и высвободивший души Эльзы и ее отца из плена обмана, окутавшего город, не смог ничего сделать для «народа». Он оказался бессилен против всех — поэтому стал играть по правилам, которые они ему предложили. Стал тираном, вторым Драконом. Наказывая Бургомистра и Генриха, он умножил зло и потерял себя, слившись с толпой манекенов. Поэтому свадьба Ланцелота и Эльзы — не поворот к счастью, а всего лишь свидетельство непобедимости Дракона. И Эльза теперь уже становится женой не странствующего рыцаря, а всего лишь следующего Дракона.

    admin

    Пресса

    Спектакль «Валентинов день», премьерой которого открылась большая сцена Молодежного театра, растет и выходит к зрителю уже полгода. Для постановки это — время зрелости, а для нас — возможность поговорить, отстранившись от первых премьерных эмоций.

    А эмоции были — и довольно бурные. Были зрители, возмущенно покидавшие зал, и те, кто аплодировал стоя. Полемика завязалась даже на форуме самой Молодежки, который априори дружелюбен к спектаклям любимого театра. Во многих не только негативных, но и сочувственных суждениях содержался прозрачный намек: «Валентинов день» — пробравшаяся на сцену Молодежного театра контрабанда, эстетически чужеродное явление. Разумеется, свобода суждения священна, а искать правых и виноватых в споре об искусстве — последнее дело. Вот только режиссеру спектакля Алексею Янковскому, я полагаю, читать подобные вещи неприятно. Ибо он ставил «Валентинов день» не вопреки театру Семена Спивака — напротив, это оммаж, посвящение, даже объяснение в любви. Янковский увидел сходство между оголенными нервами и душевной маетой героинь спиваковских «Трех сестер» — и мучительной «любовью-войной» из пьесы Ивана Вырыпаева. Внимательный взгляд разглядит в спектаклях немало перекличек. Дело не только в том, что женские роли «Валентинова дня» Янковским поручены актрисам, воплотившим главные образы в спектакле Спивака. Дело, например, в мотиве дороги, временной остановки в пути, который в «Трех сестрах» был зафиксирован протянутой через длинную старую сцену лентой железнодорожного полотна. В спектакле Янковского — в согласии с логикой новой пьесы и нового сценического пространства — тревожный путь пролегает уже по вертикали. Тут многое сплелось: и советский культ космоса (подается с мягкой иронией — в темноте арьерсцены топает человек в скафандре), и возвышенность любовного страдания, «окрыляющего» и «подрубающего крылья», и межеумочность героев Вырыпаева, словно оказавшихся в чистилище, между адом и раем, и заново перечитывающих грустную пьесу своей жизни. Отсюда и полеты героинь на лонжах, огорошившие некоторых театралов.

    Кто-то уже налепил на Алексея Янковского клеймо «молодого экспериментатора» — с таким, знаете, уничижительным оттенком, мол, для скандальной славы все средства хороши. Большое заблуждение. Во-первых, Янковский давно не молод, он опытный, поживший человек. Во-вторых, трудно найти в его режиссерском поколении второго такого — по взыскательности к себе, моральной разборчивости, безразличию к мирской славе и презрению к моде. Случайно оказавшись с Алексеем в одной компании (лично мы почти не знакомы), я слышал из его уст замечательную историю про влиятельного худрука одного московского театра: «Я поглядел на его ноги — а там копыта. Бежал из этого театра, не оглядываясь». Это, конечно, шутка, мистификация, но у Янковского действительно есть черты духовидца — он ненавидит мутную водичку, и каждый его спектакль — шаг к духовному очищению. Художественные средства, которыми сделан «Валентинов день», вполне академичны. Опытный театровед Надежда Таршис дала спектаклю изумительную характеристику — «атлетичный». Речь не о мускулатуре: имеется в виду «чувственный атлетизм», метод великого Антонена Арто. Намеренный патетический форсаж речи актеров, навязанные статичные позировки — своего рода барьеры на пути бегуна-олимпийца. Напряжение чувственного аппарата персонажей передается через самоотверженную работу актеров, преодолевающих режиссерское препятствие. Впрочем, они здесь не марионетки — дело происходит по добровольному сговору. Алексей Янковский замечательно зарифмовал формальный ход «атлетической декламации» с советскими социальными ритуалами.

    Слышится интонация речи на собрании тех времен, когда личных дел не было, всё личное могло стать достоянием товарищеского суда. Так у спектакля возникает еще один смысловой обертон — рефлексия над советским прошлым.

    Что означает «Валентинов день» в репертуаре нынешнего Молодежного театра? Способность к освоению нового сценического пространства, к репертуарному разнообразию — без всеядности и с соблюдением принципов художественной программы театра. Отлично сданный актерский экзамен по существованию в условиях непривычной театральной методики. Появление в репертуаре достойного гастрольного наименования для зарубежных фестивалей (российские фестивали к «Валентинову дню» будут более равнодушны — вопреки мнению невежд, он поставлен не в русле нынешней российской театральной конъюнктуры, а наперекор ей). И наконец, простите за банальность, «Валентинов день» — это искусство. Не на полгода — всерьез и надолго.

    admin

    Пресса

    Есть такие люди, знаете, для которых разговоры о Боге — это что-то неприкасаемое, почти запретное в силу величия предмета, или, может, слишком интимное, личное… Есть другие, которые не говорят о нем просто в силу неприятия. Но и те, и другие (набожных сейчас не берем), рано или поздно встают перед необходимостью отвечать маленькому человеку на вопрос, что же такое Бог и «с чем его едят».

    В этом смысле пьеса Ульриха Хуба «У ковчега в восемь» и одноименный спектакль Екатерины Гороховской в театре «Мастерская» могут служить хорошими помощниками. О Боге тут рассуждают пингвины. Простыми словами, без пафоса и конкретно — на пустую болтовню нет времени, ведь надо ухитриться влезть в Ноев ковчег, имея лишь два билета на троих…

    Пьеса «У ковчега в восемь» была написана еще в 2006 году, когда одно из немецких издательств предложило пяти театрам создать спектакли для детей на тему «Религия». Хуба больше всего вдохновила история о Всемирном потопе. С тех пор пьеса обрела популярность во многих странах, а в России знает уже не одно сценическое воплощение. Екатерина Гороховская имеет немалый опыт общения с детской аудиторией, при этом ее спектакли никогда не бывают примитивными. В противоположность своим коллегам, большинство из которых ставили «У ковчега…» в русле традиционного детского театра, отождествляя главных героев-пингвинов с наивными малышами, Гороховская пошла другим путем. Пингвины ее спектакля — совершенно внятные пацаны, возраста явно не младенческого, имеющие при этом простодушие и ряд вопросов к мирозданию. Обаятельные лоботрясы, они тусуются в своей Антарктике, читают свой пингвиний рэп и время от времени ссорятся на разные темы. Одной из таких тем оказывается Бог, его наличие или отсутствие, достижения и промахи. Вместе с аксиомами, вроде той, что «Бог создал все вокруг — снег, лед, небо» звучат и другие мысли, смешные, парадоксальные, но с ними трудно не согласиться: «Он что-то напутал, у нас крылья есть, а летать мы не можем». Дальше — больше.

    На горизонте появляется голубка, очаровательное создание в белом комбинезоне на манер маскхалата, которая собирает тварей в плавание, строго досматривая каждого перед входом на борт. Хитроумные пингвины (но, вместе с тем, между прочим, настоящие друзья), конечно, протащат третьего контрабандой и будут «втирать» доверчивой пташке, что у них в чемодане — Бог. Но в их юмористических тирадах, на самом деле, и содержатся самые простые истины о Нем. О том, что любить Его или нет, каждый выбирает сам, и где и как общаться с Ним — тоже, что Он, действительно, везде — и в золоченом храме, и в потрепанном чемодане.

    Волошина Ася

    Блог

    На новой сцене Театра Поколений на Лахтинской улице состоялась премьера спектакля «Питер-Burg»

    «Питер-Burg». Театр Поколений.
    Режиссер Данила Корогодский, cценография Данила Корогодский, Кристофер Баррека

    Питер-burg Театра Поколений — город во вкусе Андрея Белого. Пространство подчёркнуто ирреальное, топографически расплывчатое, во времени — дрейфующее. Здесь нет не только фасадов, сфинксов, атлантов и львов, но, кажется, даже колодцев. Иными словами, нет клише: ни отражений, ни игры с зеркалами, ни традиционных для Петербурга героев и культурологем. Кажется, эстетика спектакля во многом задана атмосферой новой сцены. В Нарышкином бастионе ещё возможен был налёт если не позолоты, то, скажем, патины. В новом помещении с серыми стенами в язвах красного кирпича может быть воспета (или оплевана) только самая изнанка города. Перед спектаклем на лестнице зрителей встречает интеллигентная обитательница коммуналки и просит не повредить фрески, указывая на живописно (и, несомненно, естественно) облупившуюся штукатурку, разводы плесени. То есть картины, которые исконные болотные духи пишут на рукотворном. Эти сомнительные призрачные сущности будут верховодить и в спектакле.

    Здесь есть только одна узнаваемая, «открыточная» фигура, но Данила Корогодский пытается вглядеться в ее подноготную, а не передать внешнюю пластику. В образе ангела Монферана предстает сначала Наталья Пономарева, обаятельно играющая этакую куклу наследника Тутти, а потом Алексей Чуев — человек с иконописным ликом.

    В первых сценах задается стилистика перфоманса. Зрители заходят в полутемное просторное пространство и долго следят за ужимками куклы-канатоходца — харизматичного брюнета в галифе, отдаленно напоминающего Петра. Но, по всей видимости, все-таки Не-Петра. Глумливый солдафон устами кукловода улещивает ангела, замершего с крестом в руках и, в конце концов, усыпляет его колыбельной. После пространство начинает заселяться персонажами. Большинство из них принадлежит к миру инфернальному, а те, что похожи на людей, в положении подчиненном.

    Сцена из спектакля.
    Фото из архива театра

    Эпизоды принципиально дискретны, действующие лица намеренно неузнаваемы. Некто, напоминающий булгаковского Варенуху, — маленький человечек в очках и кашне — выбежит и станет в суеверном страхе слушать и слышать стены в стетоскоп водопроводного крана. Потом по наущению неопределенных сил примерит сначала маленькие черные усики, а после курительную трубку… В итоге к нему обратятся: «Петр Алексеевич!» — и действительно возникнет образ пигмейчика-Петра, ржавой лопатой копающего воду в огромной кастрюле. Но это морок, это роль, навязанная призраками. Героя Сергея Мардаря буквально настигло распятое на веревках пальто, ведомое черными людьми; оно наделось, застегнулось, смоделировало новую осанку и пластику. Принудило к процессу создания города; или вос-создания его образа. Из новоявленного Петра во все стороны торчат веревки и палки; он превосходный тренажер для кукловода.

    Вскоре персонаж будет стоять у стены, как на расстреле, а женщина в чекистском облачении станет надевать на его лицо тень маски. В руках ее книга с вырезанными в странице глазами и ртом. В страницу бьет луч света. И жуткая гримаса ползет по стене и прилепляется к лицу. А чекистка все спрашивает с притворно-приторными интонациями, указывая на его живот: «Ты беременна?». С повторяемостью, привычной для театра абсурда. «Родит» он увесистый кирпич — несколько сцен спустя — существуя на сей раз в фарсовой манере.

    Понятно, что ни о какой временной кантиленности в этом спектакле речи не идет, хотя некоторые из фрагментов сюжета явно представляют собой вариации на темы исторических событий. Или издевки над историческими мифами о Петербурге. Воспринять все эпизоды как части целого можно лишь с большой натяжкой. Они разномасштабны и неравнозначны; некоторые происходят одновременно в двух или трех зонах, некоторые выглядят как связки, как интермедии или даже лацци. Создается не единство истории, а единство атмосферы, и с ускользанием смыслов приходится мириться. Драматургия спектакля наверняка выстроена, но тщательно скрыта от зрителя. Предъявлена иллюзия хаоса, мнимая спонтанность. По-настоящему смыслообразующей и завершенной представляется только одна линия.

    Сцена из спектакля.
    Фото — photomaria. ru

    Перед началом этой истории для каждого человека из публики мелом на полу рисуется замкнутая кривая — островок, куда нужно встать, чтобы смотреть. Актеры стремительно «переправляют» зрителей, доселе стоявших в линию, на эти точки. Образуется круг наблюдателей, в центр которого входят два персонажа: мужчина и женщина. Они бессловесны, существуют в условной манере и пользуются стандартными пантомимическими знаками для выражения сложных чувств. Объятья, пощечины, опять объятья. А дальше — борьба, выраженная через черчение линий мелом. Он, кажется, хочет не отпустить ее от себя, и рисует заградительные барьеры, она радуется своей власти. Но когда остается провести последнюю черту, он вдруг выходит вовне и со злорадством предоставляет одному из зрителей «запереть» героиню. Через несколько сцен мы возвращаемся к этой линии. Он, как подачку, ставит в ее меловую «догвильскую» камеру таз с водой. Она же вдруг снимает с себя белую рубашку, погружает ее в воду и, ликуя, смывает черты; заставляет его бежать, заставляет залезть на столб; и не пускает вниз, чертя штрихи. И даже когда после примирения героиня ложится на мокрый пол, а ее партнер, расставив ноги, становится над ней в чехле черного плаща, как-то еще не ясно, что речь не о людях. Или не только о людях. Лишь после того, как все персонажи становятся в очередь с корабликами, свернутыми из газет, а герой точно по часам дожидается момента и пропускает их, выясняется, что разыгран сюжет о покорении Невы. Он ограничивал её на плоскости, она из этой плоскости его вытесняла. И линии, которые она чертила на столбе, — отметки уровня воды во время петербуржских наводнений…

    Во второй части спектакля зрителям предлагают занять традиционную мизансцену на креслах. И выстраивается история хронологически внятная и оттого более предсказуемая. История ангела (предстающего на сей раз в мужской ипостаси), к которому на колонну за век поднимаются несколько персонажей. От зодчего-реставратора в рваном тулупе до промышленного альпиниста в оранжевой спецовке. При этом даже революционный матросик, цепляющий красный лоскут, удосуживается колчеруко перекреститься и выпалить, боязливо глядя вниз: «Красота!». А тот последний, спускающийся с вертолета на страховке и добавляющий к красному белое и голубое полотнище (смешно раздумывая над последовательностью), только фотографируется с ангелом в шаблонных позах. И вылепляет на его лице идиотическую улыбку…

    Идея невеселого прогресса выдается с бескомпромиссной прямотой. Временные координаты задаются с помощью звукоряда: с конкретными песнями, свойственными той или иной эпохе и даже с фрагментами выступлений политиков. И странно наблюдать такую конкретику после прежнего благородного хаоса.

    В итоге колонна остается пустой. Все уходят, с разным отношением перешагивая через крест. На пустую сцену вбегает проснувшийся ангел (его женское лицо) мечется, раздумывает, но возвращается на свой пьедестал. И все, кажется, приходит в норму — только за спиной у ангела виднеется похожий на доску для виндсерфинга картонный силуэт Охта-центра — в рамках заданной меры условности такой же неуместный, как и в экстерьере Петербурга.

    Тимашева Марина

    ПРЕМЬЕРЫ

    А. Н. Островский. «Правда — хорошо, а счастье лучше».
    Малый театр. Режиссер Сергей Женовач, художник Александр Боровский

    В Малом театре Сергей Женовач поставил пьесу «Правда — хорошо, а счастье лучше». Это второе на памяти Москвы обращение режиссера к драматургии Островского (прежде была «Пучина») и вторая его работа (после «Горя от ума») с блистательной труппой Малого театра. Вместе они создали упоительный спектакль.

    Все пишут о Женоваче как об идеальном режиссере для Малого театра. Да он для любого театра — идеальный. Потому что талантлив и потому что — строитель, труженик, пахарь, потому что не возвышает себя ни над авторами, ни над актерами и потому что человек порядочный, с принципами.

    Коллизия пьесы «Правда — хорошо, а счастье лучше» для Островского характерна: юная обладательница большого приданого Поликсена влюблена в нищего правдолюбца Платона, которого держат в купеческом доме в счет оплаты векселя. Самодурная бабушка Барабошева и ее сын всячески препятствуют семейному счастью Поликсены. Когда в воздухе серьезно запахнет бедой, нянька Фелицата приведет в дом бывшего возлюбленного Барабошевой — Силу Грознова. По молодости она неосторожно дала ему клятву выполнить любое его требование. Требования Силы она и выполняет: зло наказано, добро торжествует. Начавшись как бытовая драма, пьеса Островского оборачивается даже не комедией, а сказкой. Уж больно неправдоподобно хороша развязка. Но если абстрагироваться от несколько искусственного хэппи-энда, все легко укладывается в теорию Добролюбова о самодурах-купцах, «темном царстве» и «луче света». Ничего подобного в спектакле Малого театра вы не обнаружите.

    Сцена по периметру огорожена серым высоким забором. По всему двору, как делают это на юге, развешены присборенные простыни, в которых качаются отменные зеленые яблоки. В течение спектакля свет меняется так, как в жизни, когда вы сидите на улице, разговариваете и совершенно не замечаете наступающих сумерек.

    Как неприметно перетекают друг в друга оттенки света, так же плавно переходят одна в другую сцены спектакля. Без смены декораций, костюмов или жестких ритмических отбивок. А за забором тем временем течет обыденная жизнь Замоскворечья с ее ссорами, любовными признаниями и песнями. Она не показана зрителям, но ее отголоски вплетаются в спектакль, придавая ему дополнительный объем. Акварельное, нежное решение пространства и, словно по контрасту, замечательная живопись человеческих душ.

    Г.Подгородинский
(Платон Зыбкин).
Фото из архива театра

    Г.Подгородинский (Платон Зыбкин). Фото из архива театра

    В саду разливается томительная теплая лень. Садовнику — уморительно смешному великану Александра Клюквина — лень даже ворочать корзины с ворованными яблоками, и уж тем более лень ловить вора Хозяйке. Мавра Тарасовна в изумительном исполнении Евгении Глушенко — женщина в самом расцвете сил, белая, пухлая, плавная, покатые плечи покрыты мягким пуховым платком. Вывести ее из себя — задача почти невозможная. Ходит она тихо, а потому все слышит, все видит, своего не упустит, чужого не возьмет, а главное — знает, что такое порядок и каким ему следует быть. В каждом ее слове, пусть и неприятном для внучки, правды много. Вот хоть теперь кто из старших рад будет выдать любимое балованное дитя за оборванца? Режиссер и актриса ищут внятных объяснений словам и поступкам и, мягко говоря, отдаляются от традиционного представления о Мавре Тарасовне (эдакой Кабанихе), хотя и упрямство, и жестокость, и безграничное своеволие — вот они, никуда не делись. Губы поджаты, глаза по-кошачьи прищурены, роста небольшого, а смотрит на всех сверху вниз. И как выдохнет презрительное и фамильярное слово «миленький» — всех в дрожь бросает. Самодовольная и уверенная в себе барыня — мягко стелет, спать будет жестко.

    И.Леонова (Поликсена),
Л.Полякова (Фелицата).
Фото из архива театра

    И.Леонова (Поликсена), Л.Полякова (Фелицата). Фото из архива театра

    Внучка (красавица Ирина Леонова) — бабушке под стать. Яблочко от яблони недалеко укатилось. И пуховый платок на плечах. Ну, потоньше, ну, полегче. Молодая еще, строптивая, своенравная, но перемелется — мука будет того же сорта. Даже слово «миленький» от бабушки переняла. И Платона своего она не то чтобы любит. Но увлеклась, так как других молодых людей за забором Барабошевых не водится, а возраст подошел самый что ни на есть влюбчивый. Любовь между юными строптивцами возникнет позже, почти к самому финалу, когда угроза разлуки станет слишком явной. Совсем иначе, чем принято, сыгран и Барабошев-фис Виктора Низового. То есть он привычно толст да развязен, но в обаянии и ему не откажешь. Наблюдая за его персонажем, думаешь: неужели новорусское купечество так внимательно читало пьесы Островского, что выучилось по его пьесам всем своим незавидным манерам, и жлобству, и отношению к другим людям, как к быдлу, и вальяжной развязности. Вряд ли читали, маловероятно, чтобы внимательно, значит, долгие годы таилось, родимое, пряталось, а как вышла свобода, все в дело пошло.

    Купцам да лизоблюдам-приказчикам образованный честный Платон служит по временам подставкой для чернильницы, а все больше — Шутом Гороховым. Унижают они несчастного Платона Зыбкина для собственного развлечения — иначе-то без вина веселиться не умеют. Но Зыбкин и сам хорош. Вечный правдолюбец русской литературы выглядит у Глеба Подгородинского огородным пугалом. Рукава до локтя, костюм серый в полоску, обличительные речи рекой льются, а для общей приподнятости Платон произносит их, взгромоздясь на лавку. Он очень молодой и нервный, этот «запойный» правдоискатель. Хорохорится воробышек, топорщит перышки.

    Чтобы всех этих господ унять, нужна Сила, точнее, нужен Сила. Сила Грознов. Ох, что делает с публикой Василий Бочкарев. И ведь не поймешь, как делает. Но стоит ему появиться на сцене, смех не смолкает уже ни на минуту. Сам он маленький, сухонький, худенький, из-под затертой фуражки потешно торчат клочья волос да уши в перпендикуляр к голове. А из-под козырька выглядывают хитрющие глазки. Лукав Сила, смекалист, жизнью бит Сила, но не грозен, как положено ему по фамилии, а сметлив, русский мужичок с ноготок. Уморительно то, что именно такому, ему по пьесе отведена роль Бога из машины. Говоря словами Сатина из «На дне», он подействовал на всех, как кислота на ржавую монету. Благодаря ему, и Барабошева, и громогласная, мощная, сияющая жизнелюбием Фелицата (просто умопомрачительная работа Людмилы Поляковой) почувствуют себя молодыми. Степенные манеры сменят девичьи повизгивания и дурашливые приплясывания. Вспомнится им вдруг, какими они были когда-то — а были они веселыми и хорошими. Всякий человек когда-нибудь да был — так, видимо, думает Сергей Женовач, и выходит, будто так думал Островский. И слово «миленький», обращенное к Силе Маврой Тарасовной, явится наконец в своем природном, ласковом звучании.

    Спектакль этот такой ясный и здоровый, такой по отношению к людям-персонажам сердечный, что смотришь его, и кровь бежит скорее, и тепло разливается по телу, и хочется кланяться и благодарить тех, кто вернул ощущение полноты и радости жизни. Лично я принялась благодарить художественного руководителя театра Юрия Соломина: «Чудо-то, — говорю, — какое!» А он: «Что за чудо, просто хороший режиссер, хорошие актеры».

    Март 2003 г.

    Кулиш Анатолий

    ИСТОРИЧЕСКИЙ РОМАН

    По страницам «Северной пчелы» 1828–1829 гг.

    Инкогнито

    Внимание историков театра давно привлекают театральные рецензии, опубликованные на страницах «Северной пчелы» в  1828–1829 гг. и подписанные цифронимом 1 «32—2». Свободно ориентируясь в тонкостях драматического, балетного, оперного искусств, касаясь деятельности всех существующих в это время петербургских театральных трупп (русской, немецкой, французской, итальянской), автор выказывает понимание специфики сценического произведения. Он чуток в подходе к актерскому творчеству, демонстрирует широкую эрудицию и изрядный зрительский опыт (причем не только в области отечественной сцены). У него пристальный взгляд, самостоятельные суждения, нетривиальные оценки.

    Естественным было желание театроведов раскрыть цифроним, взглянуть в лицо автора, утаившего свое имя. Подобная попытка предпринята в «Очерках истории русской театральной критики», где высказано предположение, что статьи, подписанные цифрами «32—2», принадлежит выступающему в это же время и в том же издании М.А.Яковлеву 2. Заметим, что вскоре после выхода «Очерков» сама гипотетичность атрибутирования снимается. Если исследователь балетной критики О.А.Петров, полагая, что ряд заметок «Северной пчелы», выделяющихся «глубиной постановки проблем, вкусом, последовательным утверждением собственного понимания балета» и подписанных псевдонимами «32—2» и «М-л Я-в», принадлежит театральному критику М.А.Яковлеву 3, все же дает ссылку на автора гипотезы, то для публикаторов материалов о Щепкине соединение цифронима и фигуры М.А.Яковлева уже аксиоматично 4. На самом деле все обстоит гораздо сложнее.

    В основании гипотезы лежит следующее замечание: «Судя по намеку Яковлева, брошенному им в «Северной пчеле» (1828№ 68), где он ссылается на свою же как будто рецензию о Щепкине—Арнольфе в «Сыне отечества», подписанную «32—2», можно предположить, что под псевдонимом «32—2» скрывается все тот же Яковлев« 5. Но, во-первых, подобного намека в указанном номере нет. В рецензии на представление Шеридановой «Школы злословия» Яковлев пишет следующее: «И после Арнольфа (в комедии «Школа женщин»), которого г. Щепкин представляет неподражаемо, совершенно, можно было с удовольствием видеть его в роли Досажаева« 6. Во-вторых, в «Сыне отечества» отсутствует статья, посвященная Щепкину в роли Арнольфа, как, впрочем, и любая другая, подписанная означенным псевдонимом. (Вероятно, имелся в виду отзыв на мольеровскую «Школу женщин» в «Северной пчеле», под которым, действительно, стоит рассматриваемый цифроним7. Но и на этот отзыв у Яковлева нет никаких ссылок.)

    Таким образом, вопрос остается открытым. Театральный рецензент под номером по-прежнему сохраняет инкогнито. Однако некоторые контуры его виртуальной биографии все же можно обозначить, вчитываясь в написанные им тексты.

    В них можно встретить свидетельства того, что автор смотрел ту или иную пьесу, "разыгрываемую лучшими французскими актерами в Париже" 8, а упоминание о госпоже Марс, которую он видел "в Париже во всем блеске дарования и юности«9, дает возможность определить хронологические рамки театральных впечатлений, вынесенных им из французской столицы. Пора юности Марс, родившейся в 1779 году, даже с учетом долго сохраняемой ею моложавости, приходится на середину — конец 1800 годов.

    Среди памятных ему отечественных спектаклей рецензент называет комическую оперу «Любовная почта» того периода, "когда главные роли в сей пьесе занимали гг. Воробьев и Самойлов и г-жа Фодор-Менвиель« 10. Здесь важно имя первого исполнителя партии Пентюхина в «Любовной почте» Я.С.Воробьева, которого можно было видеть в этой роли с января 1806 до июня (месяц его кончины) 1809 года.

    Учтем эти даты и факты в дальнейшем раскладе театрально-критического пасьянса, состоящего из лиц, связанных с «Северной пчелой» в  1828–1829 гг. и проявлявших устойчивый интерес к сценическому искусству.

    Преденденты

    Уязвимость аргументации никоим образом не исключает М.А.Яковлева из ряда претендентов на загадочный псевдоним. Напротив, опубликовавший в течение двух интересующих нас лет на страницах «Северной пчелы» около пятидесяти (а это более трети от их общего числа) театральных статей и рецензий, которые принесли ему славу «грозы кулис, Миноса актеров и актрис», Яковлев должен занять среди соискателей первое место.

    В 1828 году сыну купца второй гильдии, выпускнику училища Св. Петра Михаилу Алексеевичу Яковлеву исполнилось 30 лет. Семь из них бренная его оболочка являлась в Коллегию иностранных дел, постепенно обзаводясь плотной корпуленцией, близорукостью и чином титулярного советника. Что касается души, то она постоянно обитала на Парнасе и, едва вырвавшись из объятий Эрато, оказалась в плену Талии и Мельпомены. Оставив в прошлом юношеские поэтические опыты, помещенные в различных журналах и альманахах, шесть переводов и переделок одноактных французских водевилей, четыре из которых увидели сцену, Яковлев с 1828 г. полностью отдается театрально-критической деятельности. По заключению памятливых современников, "это был строгий и страшный для театрального мира критик« 11. Его суждения о репертуаре, сценическом исполнении не однажды служили поводом к чернильным дуэлям. При этом для тех, кто полагал себя задетым критическим пером, личность рецензента, подписывающегося бесхитростным криптонимом «М-л Я-в», не составляла никакого секрета. Его впрямую именует уязвленный переводчик «Свадьбы Фигаро» Д.Н.Барков12, на него прозрачно намекает в стихотворной «антикритике» Д.Т.Ленский: «Под кратким именем известен он вполне в литературном свете. <…> Клеил рецензии и потчевал партер «Одним за четверых», «Медведем на постое»" 13.

    Все возрастающая ироническая тональность театральных рецензий, вызванные ими критические перепалки делают Яковлева фигурой общеизвестной. Его фамилия зашифровывается в шарадах14, его портрет можно было узнать в персонаже водевиля П.А.Каратыгина "Горе без ума" 15 или увидеть на страницах юмористических разделов периодических изданий, к примеру: "Заметьте этого человека в синей венгерке, черном галстуке, с черепаховыми на носу очками, который показывает вид глубокомысленного наблюдателя, поминутно качает головою, пожимает плечами, улыбается с сожалением и, вынимая из кармана свой белый платок, завязывает на нем — для памяти — узелки. Он почти ежеминутно протирает тусклые стекла своих очков и в это время полузажмуренными глазами смотрит на своих кресельных соседей. Это гроза и надежда актеров; это театральный критик, сидящий по доверенности в креслах одного журналиста; и справедливость требует согласиться, что критические статейки его о театре очень милы и остроумны« 16.

    Заметим, кстати, что и отбывающий одиночное заключение в свеаборгской крепости В.К.Кюхельбекер безошибочно «вычислил» автора театральных рецензий — это, как он запишет в дневнике, "знаменитый М.Я., т.е. Михайло Яковлев« 17.

    Ф.В.Булгарин. Карикатура Н.А.Степанова

    Ф.В.Булгарин. Карикатура Н.А.Степанова

    Таким образом, Яковлеву, которому, должно быть, льстила слава «грозного Аристарха», не было никакой нужды отказываться от составившего ему имя криптонима и скрываться за иным псевдонимом; во всяком случае, до начала 1831 года, когда его резкая эскапада в адрес четы Каратыгиных вызвала уничтожающую и, в конце концов, уничтожившую критика реакцию. Не случайно именно в это время из театрального раздела «Северной пчелы» исчезает подпись «М-л Я-в», а вскоре Яковлев даже начнет бороться с собственной популярностью, заявив в письме к издателю газеты Булгарину: «Многие приписывают мне статьи о театре, о книгах и другие, в издаваемой вами газете помещаемые, а как умножившиеся занятия по службе заставили меня еще в прошлом году прекратить литературное участие мое в издании «Северной пчелы», то, не желая присваивать чужого, покорнейше прошу вас, милостивый государь, письмо это напечатать в вашей газете« 18.

    Впрочем, все это уводит нас в сторону и от рассматриваемого периода, и от конкретного предмета разговора. Возвращаясь к концу 1820-х гг., подчеркнем еще раз, что, по нашему мнению, нет никаких логически и психологически обоснованных причин, по которым бы Яковлев ставил под театральными статьями этих лет (гораздо менее конфликтными, чем иной раз его собственные) цифроним «32—2». Кроме того, отметим, что ни разу Яковлев в своих рецензиях не ссылается на собственный зрительский опыт, связанный с отечественным или французским театром конца 1800-х гг. И если еще можно допустить, что восьми-одиннадцатилетний Яковлев видел на петербургской сцене Я.С.Воробьева, то весьма сомнительно, чтобы в этом возрасте купеческий сын оказался в Париже, сохранив воспоминания о молодости и таланте госпожи Марс.

    Пятью годами старше Яковлева был Орест Михайлович Сомов, в  1826–1829 гг. деятельный сотрудник «Северной пчелы», который «переводил умно и толково и рачительно исполнял всю мелкую работу по газете», включая "составление фельетонов, смеси, объявлений о книгах с коротким обсуждением их и т.д.« 19. На фигуру этого выпускника Харьковского университета, поэта, беллетриста, переводчика и критика, близкого в разные периоды своей жизни и кругу А.Е.Измайлова, и поэтам-декабристам, и пушкинскому окружению, поместившего в «Северной пчеле» 1828 года восемнадцать статей о театре под псевдонимом «С.» и «С-в», заставляет обратить внимание настораживающее совпадение: после его ухода из газеты в конце 1829 г. с ее страниц исчезает и подпись «32—2». К этому следует прибавить нередкие у Сомова сопоставления отечественных актеров с парижскими, которых ему "случалось не раз видеть в сих же ролях" 20; его воспоминание о Ф.-Ж. Тальма, чья подмеченная Сомовым способность "вникать в характер, положение и господствующую страсть представляемого лица" 21 станет для рецензента критерием подхода к творчеству петербургских артистов. "Я видел сего несравненного актера, — напишет Сомов, — во всем его торжестве, во всей славе его таланта« 22. Если учесть также упоминаемые критиком имена В.М.Самойлова, Ж.Фодор-Менвиель, совпадающие с названными театральным рецензентом под номером, то фигура Сомова вполне могла бы рассматриваться в качестве претендента. Могла бы… Если бы не смещение биографических фактов по хронологической оси координат. В самом деле, Сомов переехал в Петербург из Харькова лишь под конец 1817 года и, таким образом, не мог застать на столичной оперной сцене не только Я.С.Воробьева, но и Ж.Фодор-Менвиель, которая состояла в петербургской труппе с 1810 по 1814 год, а затем перебралась в Париж, где и слышал ее критик. Его знакомство с французской сценой произошло во время единственного заграничного вояжа (Польша, Австрия, Франция), в который он отправился летом 1819 и откуда возвратился в конце весны 1820 года. Отметим при этом, что, восхищаясь искусством Тальма, Сомов и в опубликованных им письмах из Парижа, и в иных работах обходит молчанием творчество уже отнюдь не пребывающей «во всем блеске юности» Марс, лишь однажды вскользь замечая: "О г-же Семеновой большой можно сказать то же, что французы говорят о г-же Марс… Она так усовершенствовала талант свой, что других приводит тем в отчаяние" 23.

    Впрочем, есть и еще один момент, заставляющий усомниться в том, что Сомов и есть неизвестный рецензент.

    В начале 1829 года, касаясь вокального мастерства певицы С.Ф.Шоберлехнер, выступавшей в петербургских спектаклях итальянской оперной труппы, театральный рецензент под номером напишет: "Шоберлехнер имеет множество безусловных почитателей, которые не хотят видеть в ней никаких недостатков, но мы, уважая ее талант, восхищаясь ее милым пением и отдавая справедливость ее познанию в музыке, скажем откровенно, или лучше, повторим уже сказанное, что она должна ограничиться собственными способностями, петь таким голосом, какой дала ей натура, и не кричать, особенно в финалах арий и в morceaux d,ensemble. <…> Больно и горько смотреть, как она надсаживает себе грудь, переваливается совсем в тыл и кричит пронзительно, чтоб покрыть своим голосом хоры или дать услышать себя в общем пении! Невольно отвращаешь взоры, ибо всякое усилие, всякое напряжение производит неприятное впечатление« 24.

    Обратим внимание на то, что здесь рецензент повторяет уже сказанное им о певице. В таком контексте имя Шоберлехнер возникало лишь однажды в анонимном отзыве 1828 года на исполнение оперы Россини «Сорока воровка»: «Я не имел случая видеть два первые представления сей оперы и дебют г-жи Шоберлехнер, но читал о сем краткое известие в № 51 Север<ной> пчелы. В бенефисе г. Този я поверил суждение рецензента: во многом с ним согласен, в некотором не согласен. Г-н С. говорит: «Чистый и громкий орган, голос обширный, полный, гибкий, прекрасная метода пения — вот права г-жи Шоберлехнер на лестный прием, которым она была удостоена». Все ли это правда? Решительно утверждаем: нет. Г-жа Шоберлехнер одарена прекрасным, чистым, гибким голосом, но не обширным, не громким. <…> Голос г-жи Шоберлехнер заключается в небольшом пространстве, но в этом небольшом объеме он совершенен, гибок, чист, приятен, выделан, нежен. Надлежало бы г-же Шоберлехнер не выходить из своих драгоценных рамочек, ибо всегда, когда только она слишком возвышает голос, приметно усилие, производящее неприятное впечатление в слушателе« 25. Учитывая не только сходство позиций, но и почти текстуальные совпадения в обеих рецензиях, можно едва ли не уверенно говорить, что они написаны одним лицом, т.е. анонимный отзыв также принадлежит рецензенту под номером 26.

    Но если все это так, то возникает вопрос: мог ли Сомов оспаривать собственное суждение? Ведь «господин С.», которого цитирует аноним, это и есть О.М.Сомов, опубликовавший «краткое известие в № 51 «Северной пчелы»« 27, где он выказал себя «безусловным почитателем» дебютировавшей в итальянской опере певицы. Невозможно счесть это розыгрышем или своего рода журналистской игрой — литературное мистифицирование в эту пору более чем не одобрялось.

    Вчитываясь в текст анонимной (либо, если наше предположение верно, — «номерной») рецензии, отметим и редкое для театральных статей «Северной пчелы» употребление местоимения первого лица, и рассудочно-менторский тон повествования, что заставляет обратить внимание на тех, кто мог это себе позволить и по возрасту, и по положению, занимаемому в «Северной пчеле».

    Самым опытным журналистом, безусловно, являлся разменявший в 1828 году пятый десяток соиздатель и соредактор Булгарина по газете Николай Иванович Греч, который еще в середине 1810-х — начале 1820-х гг. публиковал свои театрально-критические статьи в издаваемом им «Сыне отечества».

    Булгарин и Греч.
Карикатура Н.А.Степанова

    Булгарин и Греч. Карикатура Н.А.Степанова

    О пристальном интересе к театру, который в детские годы стал для будущего беллетриста, филолога и переводчика "важной эпохой в пробуждении… ума и воображения« 28, говорят и его воспоминания. При этом мемуарные страницы, связанные с именем автора трагедии «Пожарский» М.В.Крюковского, свидетельствуют о регулярном посещении Гречем петербургского театра именно в ту пору, когда он мог слышать в «Любовном напитке» и Я.С.Воробьева, завершающего свой творческий путь, и В.М.Самойлова, этот путь начинающего.

    Кстати сказать, в 1828 году — как это, вероятно, было раньше и как, доподлинно, будет позже — Греч, благодаря своему статусу издателя «Сына отечества», пользовался безденежно креслом четвертого ряда во всех петербургских театрах29.

    Серьезным аргументом в пользу того, что подписанные цифрами рецензии принадлежат Гречу, может служить также следующее обстоятельство. Касаясь исполнения роли Эльмиры в комедии Мариво «Обман в пользу любви» (в ином, более точном переводе — «Ложные признания»), автор под номером замечает: "Г-жа Каратыгина б<ольшая>, игравшая главную роль, напоминала нам знаменитую Марс, которую мы видели в Париже в сей самой пьесе« 30. Но «в сей самой пьесе» видел парижскую знаменитость и Греч! Впрочем, здесь лучше дать слово ему самому: «На французском театре видел я два интересные представления: во-первых, игру актрисы Марс… Несравненную жрицу французской Талии видел я в «Fausses confidences» Мариво. Прочитав ее имя на афишке, я поспешил взять место в первом ряду кресел. Выходит на сцену девица, по движениям и приемам не старее двадцати лет, по одежде и всем приметам, простенькая, застенчивая — и это Марс. Вглядевшись в нее, видишь, что это лицо не XIX века, что ей приличнее было бы играть старушек, но лишь только она заговорит, и притом взглянет, то есть взглянёт — право не знаю, как иначе сказать, — исчезают все сомнения, и очарование становится совершенным« 31.

    Эта запись сделана для публиковавшихся в «Сыне отечества» корреспонденций, которые Греч присылал из своего первого заграничного путешествия в 1817 году. Следовательно, либо мы изначально чересчур доверились рецензенту под номером и неверно обозначили время «блеска дарования и юности» Марс, либо Николаю Ивановичу через десять с небольшим лет после увиденного спектакля французская актриса рисовалась только как «девица, по движениям и приемам не старее двадцати лет», и напрочь забылось, что «ей приличнее было бы играть старушек»… Но Греч всегда имел отменную память. И тогда следует счесть этот довод вовсе не доводом, а тем небывало-вероятным совпадением, какие, стремясь окончательно все запутать, часто подбрасывает на пути любого историка плутоватая Клио.

    Сомнения в принадлежности «номерных» рецензий Гречу усилятся, если сопоставить строки одной из них — о балете «Ацис и Галатея», написанные пером очарованного грацией А.И. Истоминой критика, который, по предположению современного нам исследователя, «серьезно осмысляя балетное искусство, определяя природу балета через «чувство», пытался угадать его образную сущность" 32, с такого рода признанием Николая Ивановича: "Балет был гораздо лучше оперы, но — воля ваша! — не понимаю и не люблю балетов. Разве видеть в них Тальони, и одну Тальони. Все одно и то же. Еще пусть бы плясали, кружились и прыгали женщины: это их дело, за неимением лучшего; но танцовщики производят на меня неприятное, могу сказать грустное впечатление: человек, мужчина ломается и скачет на потеху публики, и еще требует за то славы и бессмертия!« 33.

    Н.И.Греч

    Н.И.Греч

    Нет, не фигура Греча стоит за таинственным цифронимом. Его-то как раз скорее можно заподозрить (что и было уже сделано 34.) в авторстве семнадцати театрально-критических статей 1828–1829 гг., подписанных литерой «N». Пожалуй, только филологическое ухо Греча могло расслышать, что актеры петербургской немецкой труппы говорят на языке, составленном "из разных областных наречий: отец, например, говорит наречием нижнесаксонским, близким к голландскому; мать швейцарским; дочь австрийским, а жених ее лифляндским" 35.

    Итак, мы вернулись к тому, с чего начинали: рецензент под номером по-прежнему сохраняет инкогнито. Ни Яковлев, ни Сомов с Гречем не помогают разгадать цифровой код и разглядеть того, кто за ним скрывается. Попробуем подойти к решению этой задачи с другой стороны.

    Буквы, цифры и контуры

    Памятуя о том, что среди анонимных рецензий уже обнаружилась одна, принадлежащая, по нашему мнению, рецензенту под номером, попытаемся продолжить поиск в этом направлении: выяснить, нет ли в самих текстах прямых указаний автора на то, что им было написано раньше.

    Подобная отсылка находится незамедлительно и звучит так: "При самом водворении итальянской оперы в Петербурге, когда г-жа Мелас показалась в первый раз на сцене, многие наши любители музыки не слишком были довольны чистым, высоким ее голосом, блистательною методою ее пения. Мы тогда еще говорили, что голос, сопрано, такого рода, что к нему надобно привыкнуть, чтоб ценить по достоинству« 36. В первой театральной рецензии «Северной пчелы» 1828 года, опубликованной без подписи, в связи с той же певицей сказано: "Прибавим, что вообще к каждому сопрано надобно несколько попривыкнуть, чтоб чувствовать в полной мере его достоинство« 37. Едва ли не идентичные формулировки дают нам право и эту анонимную статью приписать рецензенту под номером. Поскольку статья, посвященная исполнению итальянской труппой оперы Россини «Севильский цирюльник», явилась первой не только в 1828 году, но и первой театральной рецензией на страницах «Северной пчелы» вообще, то весьма сомнительно, чтобы издатели газеты, добившиеся, наконец, цензурного разрешения помещать "статьи о представлениях на всенародных театрах и об игре актеров« 38, не были к ней причастны. К этому заключению склоняет нас и еще одно обстоятельство.

    В качестве своеобразного полемического отклика на рецензию о «Севильском цирюльнике» в «Северной пчеле» появилось пространное (растянувшееся на три мартовских номера) "Письмо к князю П.А.В. о С.Петербургском итальянском театре« 39 , подписанное криптонимом «А.Б.». Верно раскрыв имя адресата — Петра Андреевича Вяземского, — Т.Н.Ливанова 40 не дала расшифровки инициалов, стоящих под «Письмом». Вероятно, библиографа, историка музыкальной культуры смутило то, что обозначенный у И.Ф.Масанова 41 наиболее вероятный претендент на этот псевдоним А.Я.Булгаков служил и постоянно проживал в Москве. Тем не менее отдельные факты биографии, приведенные автором в тексте «Письма» (семилетнее пребывание в Неаполе и других городах Италии, знакомство с театрами Парижа и Дрездена, споры с адресатом в Варшаве о вокальном мастерстве Каталани 42 ), прямо указывают на фигуру Александра Яковлевича Булгакова, которого с П.А.Вяземским "соединяла общность вкусов и понятий, и особенно любовь к литературе и музыке" 43. Впрочем, последние сомнения в авторстве исчезают, когда выясняется, что служивший в это время чиновником по особым поручениям при московском генерал-губернаторе А.Я.Булгаков "в 1827 г. … получил дозволение ехать в С.Петербург; отправился туда 29 июля и был там начальством удержан по 16 марта 1828 года« 44.

    Вероятно, достаточно высокое служебное и общественное положение Булгакова вызвало появление ряда необычных примечаний к его публикации на страницах газеты. Помимо экивоков в сторону автора («мы всегда готовы печатать возражения, написанные таким благородным тоном и с таким познанием своего дела»), в этих примечаниях даются оправдания в погрешностях и ошибках, замеченных Булгаковым в статье о «Севильском цирюльнике». Существенно, однако, то, что эти оправдания (к примеру, в неточном употреблении или даже неверном написании итальянских терминов) мог сделать только человек ее сочинивший, то есть театральный рецензент под номером. Но под всеми примечаниями стоит подпись «Издатель». Официально Греч, чья кандидатура была нами уже отведена, становится соиздателем Булгарина по «Северной пчеле» в 1831 году 45. Следовательно… остается Фаддей Венедиктович.

    Таков был ход рассуждений, опирающихся в основном на косвенные аргументы и умозрительные допущения, что, разумеется, могло дать повод к сомнению. Нам не хватало прямых доказательств. И когда всякая надежда отыскать их казалась утраченной, они появились. Обнаружился автограф этой, самой первой театральной рецензии «Северной пчелы» о "Севильском цирюльнике« 46. Текст ее написан убористым почерком Булгарина, после текста авторские инициалы — «Ф.Б.». Карандашная надпись — «позволяется печатать и вперед можно писать об театрах, показывая мне», сделанная рукой А.Х.Бенкендорфа на первом листе, по сути дела, открывала после нескольких лет перерыва дорогу статьям об императорских театрах на страницы периодических изданий. Впрочем, это уже совершенно иной сюжет. Возвращаясь к нашему, попытаемся сопоставить известные нам факты о театральном рецензенте под номером с фигурой Фаддея Венедиктовича Булгарина.

    В «Театральных воспоминаниях моей юности» Булгарин пишет о Я.С.Воробьеве, отмечая «истинный его комизм и удовольствие, которое он доставлял своим чудным талантом» и сообщая даже о личном знакомстве с актером: "Мне случалось обедать с ним часто, в холостых обществах, между офицерами гвардии" 47. Здесь же упомянуто, что В.М.Самойлов "в молодости своей, был чрезвычайно хорош в небольших операх, особенно в русских водевилях« 48. Наконец, среди запомнившихся ему пьес из репертуара второй половины 1800-х годов мемуарист называет и «Любовную почту», определив ее как "прелестную оперетку« 49.

    Ф.В.Булгарин

    Ф.В.Булгарин

    То, что Булгарин в 1811 году побывал в Париже, впервые, насколько нам известно, отмечено В.П.Мещеряковым и А.И.Рейтблатом 50, хотя сам он неоднократно «проговаривался» об этом, вспоминая или комедию Мольера «Плутни Скапена» (в переводе того времени — «Скапиновы обманы»), которую видел "несколько раз на парижской сцене, играемую лучшими актерами" 51, или самих этих актеров: "Мы видели первый французский театр (Thйвtre Franзais), в Париже, в самую блистательную его эпоху, при Наполеоне, когда этот театр пользовался всемирною славою и когда украшением его были: великий Тальма, Флери, Ларив, г-жи Рокур, Дюшенуа, Марс, Жорж, Бургоэн (Bourgoin)« 52.

    Таким образом, факты виртуальной биографии театрального рецензента под номером вполне соответствуют приведенным реалиям жизненного пути Ф.В. Булгарина.

    Говоря о театральном рецензенте под номером и обозначив этот номер только цифрами «32—2», мы намеренно, дабы окончательно не запутать повествования, не вдавались в своего рода «математическую» историю псевдонима.

    Впервые «цифровая» подпись возникает под театральной статьей 7 апреля 1828 года и имеет вид «34. 2. »; 12 и 19 апреля появляется вариация — «3. 22. », и только с 24 мая цифроним принимает свой окончательную форму: «32—2». Первый и второй набор цифр принадлежит одному и тому же автору. Об этом можно судить по следующему замечанию «3. 22»: «в 42 нумере «Сев<ерной> пчелы» жаловались мы на равнодушие нашей публики к русскому театру и к отечественным дарованиям вообще« 53, отсылающему к строкам рецензии, подписанной «34. 2. »: "Нам было грустно видеть, что при первом дебюте отличного русского артиста ни одна ложа в первом ярусе не была занята, во втором ярусе были заняты только две ложи, а кресел не более пяти рядов« 54.

    Попытки найти в текстах за подписью «32—2» ссылки на эти статьи, что давало бы возможность объединить все три цифровых сочетания, успехом не увенчались. Тем не менее позволим себе высказать некоторые соображения. Мы исходим из посылки, что эти псевдонимы принадлежат одному лицу. Учитывая, что «в «Северной пчеле» число сотрудников редко доходило до десятка« 55, по меньшей мере странным было бы появление в ней на протяжении двух месяцев трех разных рецензентов, использующих цифровой код вместо подписи.

    Первый набор цифр можно расшифровать так: тридцать четвертая буква русского алфавита XIX века — фита, вторая — буки, т.е. «Ф.Б.», инициалы Фаддея Булгарина. Вероятно, осмотрительный издатель быстро сообразил, с какими опасностями сопряжена работа театрального рецензента 56, и постарался закамуфлировать поддающийся раскрытию псевдоним, сначала разложив четверку на множители, а затем изменив сочетание цифр.

    Если, как мы полагаем, автором «номерных» рецензий является Булгарин, то получает объяснение своеобразная цикличность появления его театральных статей в «Северной пчеле». В 1828 году они возникают на страницах газеты с апреля по июнь; в 1829 — с января по февраль и затем лишь в сентябре. В 1829 году Булгарин, что зафиксировано в «Санкт-Петербургских ведомостях», уехал в свое имение Карлово, под Дерптом, двадцать четвертого апреля и вернулся седьмого или восьмого сентября 57. Вероятно, поэтому в первой сентябрьской рецензии на спектакль немецких гастролеров, который он мог видеть девятого числа, театральный рецензент под номером признавался: "Мне только один раз удалось видеть игру артистов гамбургского театра« 58.

    Более запутаны обстоятельства, судя по всему недолгой, однако принципиальной для нас отлучки Булгарина из Петербурга в 1828 году. «Санкт-Петербургские ведомости» сообщают о его прибытии из Дерпта между двадцать пятым и двадцать девятым апреля 59, что сразу же отзывается в той самой анонимной статье, которую мы приписали рецензенту под номером: "Я не имел случая видеть два первые представления сей оперы« 60. Тщательный просмотр предыдущих выпусков «Санкт-Петербургских ведомостей» не выявил записи о его отъезде. Между тем 19 апреля в «Северной пчеле» был опубликован «номерной» отзыв на спектакль, состоявшийся восемью днями раньше. А это означает, что либо все наши умозаключения несправедливы, либо… Фаддей Венедиктович отбыл в Дерпт после 11 апреля. Из дневниковой записи Н.Малиновского ("Обедал дома с Булгариным и отцом Иакинфом« 61 ) выясняется, что издатель «Северной пчелы» был в Петербурге четвертого апреля. Опубликованная за его подписью заметка о музыкальном вечере М.Шимановской 62, проходившем 9 апреля, позволяет считать, что он пробыл в столице еще пять дней. Никаких других сведений нам обнаружить не удалось.

    Поставим вопрос иначе: мог ли Булгарин, выехав из Петербурга в Дерпт двенадцатого или тринадцатого апреля, вернуться через полторы-две недели? Разумеется. Триста двадцать пять верст 63 по тем временам, как сообщал Фаддей Венедиктович Гречу, — "путь на 36 часов дороги« 64. Кстати сказать, Греч в 1829 году сумел обернуться всего за неделю: отправился в Карлово к Булгарину 15 и воротился 22 августа 65.

    Как видим, абрис театрального рецензента под номером почти во всех деталях совпадает с контурами фигуры Булгарина. Непроясненность некоторых обстоятельств отнюдь не препятствует идентифицировать автора, скрывшегося за цифровой подписью, с издателем «Северной пчелы». Во всяком случае, нами не обнаружено никаких фактов, делающих эту идентификацию невозможной.

    Остается сказать несколько слов в заключение. Приступая к поискам личности театрального рецензента под номером, мы вовсе не предполагали, что результат их будет таким. И, признаться, поначалу испытали некую обескураженность, когда из разрозненных деталей постепенно начала складываться фигура не Яковлева, не Сомова, даже не Греча — Фаддея Булгарина. Но, во-первых, разве авторство Булгарина лишает его театральные рецензии тех профессиональных достоинств, которые увидели в них исследователи русской театральной критики? Во-вторых, мы искали не безупречную репутацию, а истину, которая не всегда предсказуема.

    Нужна ли она — эта самая истина? Быть может, прав П.Н.Столпянский, почти век назад утверждавший, что театральные рецензии «Северной пчелы» можно рассматривать "совершенно безотносительно их авторов« 66, или современный историк балетной критики О.А.Петров, который, говоря о театральных публикациях все той же «Северной пчелы», заметил: "Все эти материалы, как правило, безымянны либо подписаны различными инициалами. Кто скрывался за псевдонимами подобного рода, установить трудно, да с точки зрения поставленных перед нами задач определение авторства отдельных материалов не является существенным" 67.

    Нет, с подобной позицией согласиться невозможно. Истина все же нужна. Хотя бы для того, чтобы не давать статьям одного и того же автора противоположные оценки, полагая, к примеру, что театральный рецензент под номером «серьезно осмысляя балетное искусство, определяя природу балета через «чувство», пытался угадать его образную сущность« 68, а вот Булгарин в своих воспоминаниях «посвятил несколько абзацев Терпсихоре… не столько из джентльменского отношения к Музе танца, сколько из соображений дипломатического порядка», ибо, «как никто другой, помнил о «слабостях» двора« 69.

    Март 2003 г.

    ПРИМЕЧАНИЯ

    1. Данная статья возникла в процессе комментирования текстов «Хрестоматии по русскому актерскому искусству конца XVIII — первой половины XIX вв.», которая готовится Н.Б.Владимировой и А.П.Кулишом при финансовой поддержке Российского гуманитарного фонда (проект № 01-04-85008а/У).

    2. См.: Очерки истории русской театральной критики: Конец XVIII — первая половина XIX века. Л., 1975. С. 155.

    3. Петров О. Русская балетная критика конца XVIII — первой половины XIX века. М., 1982. С. 68.

    4. См.: Михаил Семенович Щепкин: Жизнь и творчество: В 2 т. М., 1984. Т. 2. С. 3.

    5. Очерки истории русской театральной критики: Конец XVIII — первая половина XIX века. С. 155.

    6. М-л Я-в. [Яковлев М.А.] Русский театр // Северная пчела. 1828. 7 июня. № 68.

    7. См.: 32–2. Русский театр // Северная пчела. 1828. 26 мая. № 63.

    8. 32–2. Русский театр // Северная пчела. 1828. 26 мая. № 63.

    9. 32–2. Изящные искусства // Северная пчела. 1828. 12 июня. № 70.

    10. 3. 22. Русский театр // Северная пчела. 1828. 19 апр. № 47.

    11. Петербургский житель В.Б. [Бурнашев В.П.] Мое знакомство с Воейковым в 1830 году и его пятничные литературные собрания // Русский вестник. 1871. Т. 95. № 10. С. 629.

    12. См.: Барков Д.Н. Письмо к издателю // Бабочка. 1829. 20 марта. № 23. С. 91–92.

    13. См.: [Ленский Д.Т.] Мой разговор с Трещоткиным, или Ответ мой г. М-е Я-ву // Галатея. 1829. Ч. 7. № 35. С. 199.

    14. См., например: Шарада // Литературные прибавления к Русскому инвалиду. 1831. 21 февр. № 15. С. 119.

    15. Об этом см.: Каратыгин П.А. Записки. Л., 1970. С. 189–192.

    16. [Кругликов Г.П.] Театральные посетители // Литературные прибавления к Русскому инвалиду. 1833. 18 марта. № 22. С. 169. Автор указан в оглавлении второй части.

    17. Кюхельбекер В.К. Путешествие. Дневник. Статьи. Л., 1979. С. 343.

    18. Яковлев М. Письмо к издателю // Северная пчела. 1835. 7 июня. № 125. С. 498.

    19. Греч Н.И. Записки о моей жизни. М., 2002. С. 447.

    20. С. [Сомов О.М.] Русский театр // Северная пчела. 1828. 21 апр. № 48.

    21. С-в. [Сомов О.М.] Несколько слов о недавно умершем актере Тальме // Северная пчела. 1826. 23 нояб. № 140.

    22. Там же.

    23. Сомов [О.М.] О парижских театрах // Благонамеренный. 1820. Ч. 10. № 10. С. 278.

    24. 32–2. Итальянский театр // Северная пчела. 19 февр. № 22.

    25. Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 19 мая. № 60.

    26. Это предположение подтверждается еще одной параллелью: в иной статье о петербургской итальянской опере рецензент под номером замечает: «Мы однажды уже сказали, что г-жа Мелас prima donna в полном смысле сего выражения» (32–2. Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 28 июня. № 77.) Только в данной анонимной рецензии есть сходный оборот: «Мелас — prima donna в полном смысле слова».

    27. См.: С. [Сомов О.М.] Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 28 апр. № 51.

    28. Греч Н.И. Записки о моей жизни. С. 81.

    29. См.: О назначении безденежных кресел гг. Храповицкому и Гречу. РГИА, ф. 497, оп. 1, д. 3934, лл. 1, 4, 6, 8.

    30. 3. 22. Русский театр // Северная пчела. 1828. 12 апр. № 44.

    31. Греч Н.И. Путевые письма. Поездка во Францию, Германию и Швейцарию в 1817 году: Письма к А.Е.Измайлову // Сочинения: В 3 т. СПб., 1855. Т. 3. С. 110–111.

    32. Петров О. Русская балетная критика конца XVIII — первой половины XIX века. С. 87.

    33. Греч Н.И. Письма с дороги по Германии, Швейцарии и Италии: В 3 т. СПб., 1843. Т .2. С. 41.

    34. См.: Очерки истории русской театральной критики: Конец XVIII — первая половина XIX века. С. 152.

    35. N. Немецкий театр // Северная пчела. 1828. 29 мая. № 64.

    36. 32–2. Итальянский театр // Северная пчела. 1829. 17 янв. № 8.

    37. Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 28 янв. № 12.

    38. Дело по представлению издателей «Северной пчелы» гг. Греча и Булгарина о дозволении печатать в периодических изданиях суждения о представляемых на театре пьесах и об игре актеров. РГИА, ф. 777, оп. 1, д. 481, л. 1.

    39. А.Б. Итальянский театр: Письмо к князю П.А.В. о С.Петербургском итальянском театре // Северная пчела. 1828. 6, 8, 10 марта. №  28–30.

    40. См.: Музыкальная библиография русской периодической печати XIX века: Вып. 2. 1826–1840. М., 1963. С. 145.

    41. См.: Масанов И.Ф. Словарь псевдонимов русских писателей, ученых и общественных деятелей: В 4 т. М., 1956. Т. 1. С. 32.

    42. П.А.Вяземский пишет А.И.Тургеневу 14 декабря 1819 г. из Варшавы: «Булгаков, намерившись прожить у меня два дни, прожил их слишком пять. Вот каковы мы, варшавцы! Впрочем, честь не столько мне, как Каталани подобает: он жил в ожидании концерта и дождался». Остафьевский архив князей Вяземских: Т. 1. Переписка П.А.Вяземского с А.И.Тургеневым. 1812–1819. СПб., 1899. С. 372.

    43. Майков П. Булгаков Александр Яковлевич // Русский биографический словарь. СПб., 1908. (Бетанкур — Бякстер.) С. 459.

    44. Формулярный список А.Я.Булгакова 1858 г. РГИА, ф. 1349, оп. 3, д. 310, л. 11.

    45. См.: Карпов А.А. Греч Николай Иванович // Русские писатели: 1800–1917. М., 1992. Т. 2. С. 19. Кстати, косвенным аргументом в пользу того, что Н.И.Гречу принадлежат театральные рецензии, подписанные литерой «N.», могут служить параллели, обнаруживающиеся между двумя из них (N. Санктпетербургский итальянский театр // Северная пчела. 1828. 14 апр. № 45; N. Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 10 июля. № 82) и второй анонимной статьей «Северной пчелы» об итальянском театре (Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 7 февр. № 16). Знаменательно, что в отклике на эту анонимную статью Г.А.Дадианов дважды называет ее автором редактора «Северной пчелы». (См.: Дадиан Г. Замечания на статью о С.-Петербургском итальянском театре, напечатанную в № 18 Северной пчелы // Дамский журнал. 1828. Ч. 23. № 16. С. 159–162.)

    46. См.: Булгарин Ф.В. Итальянский театр: Первое представление комической оперы Il barbiere di Seviglia (Севильский цирюльник), музыка соч<инения> Россини. ОР ГЦТМ, ф. 657, №  58–59.

    47. Булгарин Ф.В. Театральные воспоминания моей юности // Пантеон русского и всех европейских театров. 1840. Ч. 1. С. 83.

    48. Там же.

    49. Там же. С. 93.

    50. См.: Мещеряков В.П., Рейтблат А.И. Булгарин Фаддей Венедиктович // Русские писатели: 1800-1917. М., 1989. Т. 1. С. 348.

    51. Булгарин Ф.В. Театральные воспоминания моей юности // Пантеон. 1840. Ч. 1. С. 81.

    52. Ф.Б. [Булгарин Ф.В.] Журнальная всякая всячина // Северная пчела. 1845. 20 окт. № 237. С. 946.

    53. 3. 22. Русский театр // Северная пчела. 1828. 12 апр. № 44.

    54. 34.2. Русский театр // Северная пчела. 1828. 7 апр. № 42.

    55. Каратыгин П.П. «Северная пчела»: 1825 — 1859 // Русский архив. 1882. Кн. 2. № 4. С. 250.

    56. Не случайно пятнадцатью годами позже он напишет: «Крайне боюсь и трепещу, чтоб резким суждением не прогневить двора и не задеть дирекции, которой мы не должны вовсе касаться. Все неприятности, какие мы только имели, — были за театр!» Письма Ф.В. Булгарина к Р.М.Зотову // Лица: Вып. 6. М.; СПб., 1995. С. 399.

    57. См.: Санкт-Петербургские ведомости. 1829. 26 апр. № 99. С. 812; 10 сент. № 216. С. 1981. Прибавления.

    58. 32–2. Немецкий театр // Северная пчела. 1829. 12 сент. № 110.

    59. См.: Санкт-Петербургские ведомости. 1828. 1 мая. № 35. С. 495. Прибавление.

    60. Итальянский театр // Северная пчела. 1828. 19 мая. № 60.

    61. Malinowski M. Dziennik. Wilno, 1914. S. 105.

    62. Ф.Б. [Булгарин Ф.В.] О музыкальном вечере г-жи Шимановской // Северная пчела. 1828. 14 апр. № 45.

    63. См.: Почтовый дорожник, или описание всех почтовых дорог российской империи, царства польского и других присоединенных областей. 2-е изд. СПб., 1829. С. 363.

    64. Письмо Булгарина к Гречу // Северный архив. 1870. № 10. Стб. 1944.

    65. См.: Санкт-Петербургские ведомости. 1829. 17 авг. № 196. С. 1812; 26 авг. № 203. С. 1870. Прибавления.

    66. Столпянский П.Н. Образчики театральной критики: (Из прошлого русского театра) // Ежегодник императорских театров. 1911. Вып. 5. С. 17.

    67. Петров О.А. Русская балетная критика конца XVIII — первой половины XIX века. С. 66.

    68. Там же. С. 87.

    69. Там же. С. 186.

    Касумова Анастасия

    ИСТОРИЧЕСКИЙ РОМАН

    В театроведческой науке сведения о драматической цензуре скупы и однообразны. Но, несмотря на это, все точки над «i» поставлены с удивительной категоричностью. Рефреном звучат слова о недалекости и беспощадности цензуры. Еще бы, ведь "в репертуаре не удерживались (по причинам главным образом цензурным) некоторые из самых значительных произведений современной русской драматургии"1.Что же пишут о произведениях Н.В. Гоголя, без ограничений представленных на сцене? Очень просто: "цензура не сумела разобраться в сути этой пьесы«2 (имеются в виду «Игроки»), а что до «Ревизора», которого прочел сам Николай I, то "царь не понял ее сатирического смысла«3. Тем не менее, если бы не личная цензура Николая I, сценическая история «Ревизора» была бы гораздо короче.

    Николай I

    Обычно пьеса рассматривалась в Третьем отделении от нескольких дней до нескольких недель. За это время выносилось решение — позволить или запретить. В случае необходимости из текста вымарывали «предосудительные» места, чаще всего — простонародные выражения, упоминания Бога, черта и так далее. Иногда пьеса отправлялась к автору на переделку. В случаях, когда цензор сам не мог принять решения, рапорт передавался главному цензору, а уже от него — государю. Один из способов миновать Третье отделение, в котором рассматривались драматические произведения, — сразу обратиться к императору по ходатайству лиц, к нему приближенных. Однако спрогнозировать высочайшие вердикты было невозможно. И дело не только в том, что часто требования драматической цензуры и требования к произведению самого Николая I могли быть прямо противоположными. Важную роль здесь сыграла личность императора, свойства его характера.

    Вступление Николая на престол стало случайностью. Будущий государь был предоставлен себе, проводя время в дворцовых передних. "При нем, как при третьем брате, не стеснялись, — писал В.О.Ключевский, — великий князь мог наблюдать людей в том виде, в котором они держались в передней, то есть в удобнейшем для их наблюдения виде. Он здесь узнал отношения, лица, интриги, порядки… Эти мелкие знания очень понадобились ему на престоле… Вот почему он мог заглянуть на существующий порядок с другой стороны, с какой редко удается взглянуть на него монарху. Александр смотрел на Россию сверху, со своей философской политической высоты, а, как мы знаем, на известной высоте реальные очертания или неправильности жизни исчезают. Николай имел возможность взглянуть на существующее снизу, оттуда, откуда смотрят на сложный механизм рабочие, не руководствуясь идеями, не строя планов«4.

    Как становится ясно из дневников, мемуаров современников, из поступков и действий нового государя, он всегда исходил из собственного понимания того или иного вопроса. Этот «Дон Кихот самодержавия, Дон Кихот страшный и зловредный, потому что обладал всемогуществом», "глубоко искренний в своих убеждениях, часто героический и великий в своей преданности тому делу, в котором он видел миссию, возложенную на него провидением"5, поставил себе задачей войти в положение дел без посредников. "Он сам лично ревизовал ближайшие столичные учреждения: бывало, налетит в какую-нибудь казенную палату, напугает чиновников и уедет, дав всем почувствовать, что он знает не только их дела, но и их проделки«6. Может быть, поэтому так близка была Николаю пьеса Н.В.Гоголя «Ревизор». Еще в 1918 году это заметил Н.В.Дризен: Николай Павлович "особенно глубоко чувствовал значение гоголевской сатиры"7.Своими внезапными налетами в столице он производил точно такое потрясение, что и мнимый ревизор Хлестаков. По крайней мере, события, которые описываются в пьесе, так же, как и персонажи, были лично знакомы Николаю. Таким образом, участие государя в деятельности драматической цензуры понятно.

    Личной цензуре Николая I посвятил несколько страниц своего исторического обзора В.П.Погожев: «Император Николай Павлович весьма близко вникал в вопрос ограждения русской сцены от всего того, что он считал вредным в политическом, нравственном, а иногда и в эстетическом отношении. Чрез его непосредственную цензуру проходила масса оригинальных и переводных пьес, предлагавшихся на Императорскую сцену и от самого Императора, по преимуществу, шла инициатива запрещения многих из них»8.

    Николай I не только запрещал пьесы вопреки мнению драматической цензуры, но и  разрешал их, не принимая во внимание правила и уставы цензуры, по которым следовало категорически запретить пьесу. Самым ярким примером такого «Высочайшего дозволения» является одна из самых известных пьес мирового репертуара, комедия, увидевшая свет рампы, если верить словам историков, случайно, по глупости и недальновидности Николая. Это пьеса «Ревизор».

    По поводу представления в Императорских театрах пьес Н.В.Гоголя давно сложилось определенное мнение. То, что комедия «Ревизор» была поставлена, объясняют так: "Царь не понял ее сатирического смысла, решив, что в пьесе рассматривается анекдотическое происшествие в одном из уездных городов, что здесь речь идет об отдельных злоупотреблениях чиновников, которых неизбежно постигает рука правосудия; в этом смысле и была понята фигура жандарма, извещающего о прибытии настоящего ревизора"9. Особенно странно трактовали исследователи сценический успех комедии: "На премьере присутствовало высшее общество во главе с царем. Но Гоголь, не дождавшись конца спектакля, уехал из театра10. Кроме Сосницкого, игравшего городничего, остальные актеры не удовлетворили его. Гоголь, создавший сатирическую комедию, увидел, что представление сворачивает на тропу водевиля, что спектакль распадается на разрозненные сцены, что Хлестаков изображается как шаблонный комический персонаж"11. Основная претензия здесь переносится на артистов, которые не сумели правильно передать содержание великой комедии. «Итак, — заключает Ю.А.Дмитриев, — постановки «Ревизора» и в Петербурге и в Москве в целом нельзя назвать удачными"12.

    Современник Гоголя опровергает мнение исследователя. Вот что писал в своем дневнике цензор А.В.Никитенко: «Комедия Гоголя «Ревизор» наделала много шуму. Ее беспрестанно дают почти через день. Государь был на первом представлении, хлопал и смеялся. Я попал на третье представление. Была государыня с наследником и великими княжнами. Их эта комедия тоже много тешила. Государь даже велел министрам ехать смотреть «Ревизора». Впереди меня в креслах сидели князь А.И.Чернышев и граф Е.Ф.Канкрин. Первый выражал свое полное удовольствие, второй только сказал: «Стоило ли ехать смотреть эту глупую фарсу». Многие полагают, что правительство напрасно одобряет эту пьесу, в которой оно так жестоко порицается«13. Получается, что зрители порицали правительство за одобрение пьесы Н.В.Гоголя «Ревизор»! «Впрочем, Гоголь сделал важное дело, — продолжал А.В.Никитенко, — впечатление, производимое его комедией, много прибавляет к тем впечатлениям, которые накопляются в умах от существующего у нас порядка вещей»14.

    Н.В.Гоголь. Дагерротип С.Левицкого

    Н.В.Гоголь. Дагерротип С.Левицкого

    Попробуем восстановить ход событий. В этом случае Н.В.Гоголь — показательный пример лояльности цензуры к некоторым сочинителям. Называть прохождение пьес Гоголя через драматическую цензуру мытарствами просто невозможно. Тем более, если иметь в виду редакцию комедии «Ревизор», показанную на петербургской сцене 19 апреля 1836 года.

    В написанном десятью днями позже письме к М.С.Щепкину 29 апреля 1836 года Н.В. Гоголь негодовал: "Делайте, что хотите, с моей пьесой, но я не стану хлопотать о ней… Действие, произведенное ею, было большое и шумное. Все против меня. Чиновники, пожилые и почтенные кричат, что для меня нет ничего святого, когда я дерзнул так говорить о служащих людях. Полицейские против меня, купцы против меня, литераторы против меня. Бранят и ходят на пьесу; на четвертое представление нельзя достать билетов. Если бы не высокое заступничество государя, пьеса моя не была бы ни за что на сцене, и уже находились люди, хлопотавшие о запрещении ее«15. Если верить письму Гоголя — пьеса была одобрена Николаем I, что не совсем верно. Судя по всему, Николай либо читал ее сам,либо ее читали вслух. А.И.Вольф, не указывая источника, сообщал: «Гоголю… большого труда стоило добиться до представления своей пьесы. При чтении ее цензура перепугалась и строжайше запретила ее. Оставалось автору апеллировать на такое решение в высшую инстанцию. <…> Жуковский и князь Вяземский, граф Виельгорский решились ходатайствовать за Гоголя, и усилия их увенчались успехом». <…> «Ревизор» был вытребован в Зимний дворец, и графу Виельгорскому поручено было его прочитать. Граф, говорят, читал прекрасно; рассказы Бобчинского и Добчинского и сцена представления чиновников Хлестакову очень понравились, и затем по окончании чтения последовало Высочайшее разрешение играть комедию«16.

    О том, как вообще происходило знакомство Николая I с «Ревизором», вряд ли удастся узнать наверняка. Хотя есть немало фактов, свидетельствующих о том, что император имел обыкновение самолично знакомиться с произведениями тех авторов, которых опекал. Показательна в этом смысле переписка шефа жандармов А.Х.Бенкендорфа и Николая I по поводу А.С.Пушкина, изданная в 1903 году17. Из нее следует, что Николай не только тщательнейшим образом знакомился с произведениями своего подопечного, но и оберегал его от нападок критики. Так, в 1830 году Николай сообщал Бенкендорфу: «Я забыл вам сказать, любезный друг, что в сегодняшнем номере Пчелы находится опять несправедливейшая и пошлейшая статья, направленная против Пушкина… поэтому предлагаю Вам призвать Булгарина и запретить ему отныне печатать какие бы то ни были критики на литературные произведения, и если возможно, запретить его журнал»18. История имела продолжение. Бенкендорф встретился с Булгариным и запретил ему писать про пушкинского «Онегина». Однако в ответной записке Николаю он указывает, что в данной критике нет ничего личного против самого Пушкина. В то же время, считал Бенкендорф, есть необходимость защитить от нападок самого Булгарина, которого беспощадно ругают за «Дмитрия Самозванца». «Если бы Ваше Величество прочли это сочинение, — писал он, — вы бы нашли в нем много очень интересного и в особенности монархического, а также победу легитимизма»19. Николая литературный спор по поводу Пушкина и Булгарина заинтересовал не на шутку. "Я внимательно прочитал критику на Самозванца, — отвечал Николай I, — и должен вам сознаться, что я не мог пока прочесть более двух томов и только сегодня начал третий, то про себя или в себе размышлял точно так же… Напротив того, в критике на Онегина только факты и очень мало смысла, хотя я совсем не извиняю автора, который сделал бы гораздо лучше, если бы не предавался исключительно этому весьма забавному, но гораздо менее благородному виду литературы, чем его Полтава«20. Литературные дебаты не защитили произведений Булгарина, не изменилось мнение императора и по поводу критики пушкинского «Онегина». Николай даже грозился Бенкендорфу запретить литературную критику вообще. Однако эта переписка ясно показывает, что повод для запрещения или разрешения зависел единственно от мнения императора, которое формировалось в процессе тщательного изучения материала. То же можно сказать и о произведениях Гоголя: Николай был способен не только прочесть «Ревизора», но и понять его и вынести вполне объективное суждение.

    Следующим заблуждением является мнение некоторых историков о том, что цензура вначале запретила комедию, а потом, после Высочайшего указания, разрешила ее к представлению. Скорее всего, пьеса была прочитана императором (или прочитана императору) в промежуток с 24 февраля по 2 марта 1836 года, еще до прохождения ее через III отделение. Дело в том, что драматическая цензура в первую очередь рассматривала пьесы, поступившие по прошению дирекции императорских театров. Пьеса Н.В.Гоголя в начале своего цензурного путешествия находилась в дирекции, откуда ее отправили 24 февраля в III отделение21. 2 марта она вернулась с резолюцией о разрешении к постановке на сцене22.

    Следовательно, именно в этот период с пьесой ознакомился император, потому что цензура рассматривала текст комедии 12 марта, когда Высочайшая резолюция уже была получена. Рапорт, написанный цензором Е.И.Ольдекопом на французском языке, показал его сочувственное отношение к пьесе и не содержал свойственных этому цензору колкостей и иронии: "Эта пьеса остроумна и великолепно написана. Автор принадлежит к известным русским писателям"23.

    Далее Ольдекоп пересказал сюжет пьесы: «Городничий одного маленького русского города узнал из письма своего приятеля, что в город приезжает ревизор, ревизировать самый город и уезд. Он собирает городские власти, чтобы сообщить им эту страшную весть. Вдруг входят два господина и рассказывают, что вот уже два дня, как в городе поселился один незнакомец и живет в гостинице. Все уверены, что это и есть ужасный ревизор. На самом деле это не что иное, как г. Хлестаков, маленький петербургский чиновник, из числа тех, которые не любят ничего делать и бросают деньги за окно. Хлестаков проигрался в карты и по необходимости застрял в маленьком городе»24. Одобрения цензора удостоилось поведение Осипа: "Между тем лакей Хлестакова настолько благоразумен, что спешит с отъездом своего барина, который объявляет, что уезжает на один день, чтобы испросить благословение у дяди. После отъезда Хлестакова все городские власти спешат поздравить семью городничего, который мечтает уже о столичной жизни. Но вдруг является почтмейстер. Он вскрыл письмо Хлестакова своему другу в СПб. В этом письме все власти находят свои характеристики, далеко не прикрашенные. Все возмущены, но это возмущение вскоре уступает место изумлению, когда появившийся жандарм приглашает всех явиться к чиновнику, приехавше му из Санкт-Петербурга«25.

    В отличие от множества других рапортов этого цензора, доклад о «Ревизоре» не содержал никаких намеков на то, что действующие лица, «поставленные от правительства», изображены не в лучшем виде. И никаких намеков на выражения, которые не могут быть пропущены цензурой. Причин такого поведения цензора Е.И.Ольдекопа могло быть две. Во-первых, ему действительно могла понравиться пьеса. Ничего удивительного в этом нет. Настораживает, что он не нашел в этой пьесе того, что, несомненно, должно было найтись и смутить цензуру. Во-вторых, такая мягкость могла означать то, что рапорт являлся больше формальным документом, нежели цензурным разбором пьесы. Нельзя запретить то, что одобрено Государем. И потому возникает последняя фраза рапорта: «Пьеса не заключает в себе ничего предосудительного»26. А следом — резолюция Л.В.Дубельта: «Позволить, 2 марта 1836 года»27.

    Тем не менее резолюцией дело не закончилось. Пьесу все же препарировали в поисках предосудительных слов и выражений, в этот же день, 2 марта. Так, были убраны выражения: «святые угодники», «мать моя ты божия», «мать ты моя пресвятая! Преподобный Антоний!», «боже вас сохрани», «ей-богу», «каково благословение божие», «попа на исповеди надул, рассказал совсем другое»28.

    Обратим внимание: работа над пьесой велась техническая, без разбора предосудительных мест. Исчезли лишь выражения, касающиеся веры. Такой чистке подвергались все без исключения произведения, присылаемые в цензуру. Комедия «Ревизор» прошла через крупное сито: цензоры постарались вычеркнуть из пьесы все развернутые упоминания о Боге. В этом протоколе есть факт, объяснить который пока невозможно. В день премьеры в фойе театра продавалась уже опубликованная комедия Н.В.Гоголя «Ревизор» — первое издание. Тем не менее в протоколе, составленном 2 марта 1836 года, напротив некоторых фраз имеются карандашные надписи «так и в печати» и "нет в печати«29. Что имелось в виду — непонятно. Возможно, пьесу чистили, обращаясь к тому тексту, с которым знакомился император, учитывая и его поправки. Но вероятность этого мала, так как, скорее всего, для чтения был вытребован из III отделения именно тот вариант рукописи, который потом проходил цензуру. Возможно, с этим протоколом потом сверяли вариант пьесы, который напечатали к премьере «Ревизора» в Александринском театре.

    Нельзя назвать преградой рассмотрение пьесы за семь дней. Тем более что сюда входит и читка пьесы Николаю I. Факт этот можно подтвердить еще одним цензорским рапортом по поводу «Ревизора». Это рапорт 1843 года, когда Гоголь решил предоставить в цензуру новый вариант комедии, который считается теперь классическим. «Дирекция Императорских Санкт-Петербургских театров представила новый, дополненный автором экземпляр комедии «Ревизор», — пишет цензор драматических сочинений М.А.Гедеонов. — Сама сия комедия могла поступить на сцену только вследствие Высочайшего разрешения, а потому нельзя дозволить никаких перемен и прибавок к оной"30. Резолюция Л.В.Дубельта лаконична: «Нельзя»31.

    Таким образом, зрители XIX века видели на сцене первую редакцию гоголевского «Ревизора». Именно «Высочайшее разрешение» защитило ее и от посягательств недовольных, и от прохождения через цензуру второго варианта пьесы. Благодаря личной цензуре Николая I пьеса игралась на сцене петербургских и московских театров на протяжении многих лет и имела громадный успех, равный премьерному: «Публика хохотала до упаду и осталась очень довольна исполнителями. Государь, уезжая, сказал: «Тут всем досталось, а более всего мне». Несмотря на то, запрещения комедии не последовало и она игралась беспрестанно«32. Об успехе «Ревизора» свидетельствовал и тот факт, что со дня премьеры до 1845 года он прошел шестьдесят раз33.

    Странными кажутся высказывания, что Николай I пропустил пьесу случайно или не понял истинного смысла сатиры Н.В.Гоголя. Письмо Николая I к сыну, будущему императору Александру II, свидетельствует об обратном. Отвечая на какое-то замечание сына по поводу провинциальных чиновников, с которыми пришлось столкнуться цесаревичу во время путешествия по России, Николай писал: «Не одного, а многих увидишь подобных лицам «Ревизора», но остерегись и не показывай при людях, что смешными тебе кажутся, иной смешон по наружности, но зато хорош по другим важнейшим достоинствам, в этом надо быть крайне осторожным"34.

    Отношения Н.В.Гоголя со своим личным цензором, Николаем I, можно назвать идиллическими. Гоголевские пьесы, по большей части, были допущены к представлению, сам Гоголь на протяжении нескольких лет жил на деньги, которые выплачивал ему Николай. В 1837 году, уехав в Италию, писатель поделился с В.А.Жуковским своими денежными проблемами: «Я думал, думал, и ничего не мог придумать лучше, как прибегнуть к государю. Он милостив, мне памятно до гроба то внимание, которое он оказал к моему «Ревизору»"35. И вот Гоголь нашел причину обращения к Государю. Просьба его к В.А.Жуковскому такова: «Найдите случай и средство указать как-нибудь Государю на мои повести «Старосветские помещики» и «Тарас Бульба». Это те две счастливые повести, которые нравились совершенно всем вкусам и всем темпераментам… Если бы их прочел Государь! Он же так расположен ко всему, где есть теплота чувств и что пишется прямо от души… О, меня что-то уверяет, что он бы прибавил ко мне участия«36.

    Государь действительно «прибавил участия», и Гоголь жил в Италии на деньги, присланные ему по распоряжению Николая I. Кроме того, проблем прохождения пьес через цензуру у Гоголя практически не существовало. Так, в 1842 году он отправил в III отделение «Женитьбу», предназначенную для постановки в Москве. Пьеса цензурным правилам не вполне соответствовала, но имя автора сыграло свою роль — рапорт с пересказом содержания комедии был отправлен Бенкендорфу. После этого цензор М.А.Гедеонов написал: «Граф Бенкендорф отозваться изволил, что: «пьеса сия может быть пропущена только в том случае, ежели уничтожены будут бранные, в ней написанные слова, которые при хорошем обществе не могут и не должны быть произносимы». В следствии этой резолюции пьеса по возможности очищена от всякой брани, и имя пехотного офицера Анучкина заменено другим"37. На это последовала резолюция Л.В.Дубельта: "Так можно«38, и пьеса прошла цензуру.

    Пьесу «Игроки» разрешили в том же 1842 году. Вот как охарактеризовал ее М.А.Гедеонов: "Шулер приехал в город с намерениями обыгрывать наверное, и нападает на шайку шулеров. Шайка, видя, что обыграть его нельзя, выманивает у него все деньги самым хитрым обманом«39. По обычным правилам драматической цензуры зло должно быть наказано, что необходимо для воспитания нравственности зрителей. Содержание пьесы само по себе не могло удовлетворить цензуру, но, памятуя об авторе, чей «Ревизор» так пришелся по душе императору, цензор стал объяснять смысл «Игроков» так, чтобы пьеса не противоречила правилам. "Быт фальшивых игроков, их плутни, их правила выставлены во всей наготе. Все действующие лица пьесы — шулеры. Оттого пьеса очень грязна. С другой стороны, пьеса может быть полезна, открывая плутни шулеров, представляя целую историю шулерства и внушая к нему должное отвращение«40.

    Генерал Л.В.Дубельт, рассматривая «Игроков», обратился за помощью к А.Х.Бенкендорфу. В данном случае смысл обращения ясен: если судьба автора не интересует Николая, то пьесу запретят на общих основаниях, если же Гоголь не забыт государем — основания для запрещения должны быть очень вескими. Бенкендорф, прочитав рапорт, а может быть, и саму пьесу, вынес благоприятный для автора приговор. Резолюция Дубельта гласила: "Граф Бенкендорф приказал пропустить, но с тем, чтобы грязные выражения, по возможности, были очищены«41. Заметим, никакого нажима, приказного тона. «По возможности, очищены» — значит, аккуратно, без больших купюр, только бранные слова. И это пьеса Гоголя, который, по мнению историков театра, пострадал от цензурного террора!

    Вместе с тем, нельзя сказать, что Гоголь всегда был доволен действиями драматической цензуры, столь к нему благосклонной. Однажды, в 1842 году, III отделение пропустило пьесу некого NN, подрядившегося переделывать прозаические произведения автора «Ревизора». В рапорте цензора драматических сочинений М.А.Гедеонова читаем: «Сцены из новейшей поэмы «Мертвые души» известного автора «Ревизора» господина Гоголя, составленные NN. Из поэмы Гоголя «Мертвые души» выписаны все разговоры. Эти отдельные сцены не заключают в себе никакого постоянного сюжета, но кажется, могут быть одобрены к представлению"42. Получив одобрительную резолюцию, переделка поэмы была представлена на сцене. Гоголь, узнав об этом, в ярости писал из Италии П.А.Плетневу: «До меня дошли слухи, что из «Мертвых душ» таскают целыми страницами на театр" 43 Все права на свои сочинения Гоголь передал М.С.Щепкину, потому просил у Плетнева помощи в борьбе с наглым плагиатором: «Постарайтесь как-нибудь увидеться с Гедеоновым44 и объясните ему, что я не давал никакого позволения этому корсару, которого я не знаю даже имени»45. Исполнив поручение Гоголя, Плетнев сразу же отправил письмо с требованием автора А.М.Гедеонову, на что получил ответ, где директор императорских театров пообещал отныне «не допускать никакой пьесы, в которую бы входило что-либо из сочинений господина Гоголя без письменного его согласия»46. Таким образом Гоголь обезопасил себя от переделок, против которых даже цензура была бессильна.

    Еще один штрих к теме взаимоотношений Гоголя с драматической цензурой. В октябре 1842 года он давал указания Н.Я.Прокоповичу: "Нужно распорядиться так, чтобы "Ревизор«47 и «Женитьба» отданы были вскоре после отпечатания в театральную цензуру, чтобы не были там задержаны долго, ибо нужно, чтобы все это поспело к бенефису Щепкина и Сосницкого. <…> Если театральная цензура будет привязчива и будет вычеркивать кое-какие выражения, то обратись к Виельгорскому и скажи ему, что я очень просил его сказать цензору слова два, особливо если цензор — Гедеонов, которого Виельгорский знает. /Щепкин/ об этом очень просил. Насчет этого не дурно также посоветоваться с Краевским, который, кажется, знает все цензурные порядки«48.

    Гоголь заранее уверен — его пьесы не будут запрещены. Он лишь хотел, чтобы рассмотрели их без проволочек, так сказать, «вне очереди». И отношения здесь с драматической цензурой далеко не враждебные. Рядовые цензоры, которые читали пьесы Гоголя, хорошо помнили, как отнесся к автору «Ревизора» и его скандальной комедии самый главный цензор — император Николай I.

    ПРИМЕЧАНИЯ

    1. Дмитриев Ю.А. Репертуар // История русского драматического театра: В 7 т. М., 1978. Т. 3. С. 29.

    2. Там же. С. 74.

    3. Там же.

    4. Ключевский В.О. Русская история. Полный курс лекций: В 3 кн. М., 1993. Кн.3. С. 432.

    5. Тютчева А.Ф. Из воспоминаний // Николай Первый и его время: В 2 т. М., 2000. Т. 2. С. 386–387.

    6. Ключевский В. О. Русская история. Кн. 3. С. 433.

    7. Дризен Н.В. Драматическая цензура двух эпох. СПб., 1918. С. 40.

    8. Погожев В.П. Столетие организации Императорских Московских театров: Опыт исторического обзора: В 4 вып. СПб., 1908. Вып. 1. Кн. 3 (1826–1831). С. 88.

    9. Там же. С. 74.

    10. Допущена неточность. Нет никаких подтверждений того, что Гоголь уехал из театра, не дожидаясь конца представления, со спектакля, который смотрел Государь.

    11. Дмитриев Ю.А. Репертуар // История русского драматического театра. Т. 3. С. 74.

    12. Там же. С. 76.

    13. Никитенко А.В. Дневник: В 3 т. М., 1955. Т. 1 (1826 — 1857). С. 182.

    14. Там же.

    15. Гоголь Н.В. Письма // Собр. соч.: В 14 т. М., 1952. Т. 11. С. 38.

    16. Там же. С. 71.

    17. Выписки из писем графа Александра Христофоровича Бенкендорфа к императору Николаю I о Пушкине. СПб., 1903.

    18. Выписки из писем графа Александра Христофоровича Бенкендорфа к императору Николаю I о Пушкине. СПб., 1903. С. 6.

    19. Там же. С 7.

    20. Там же. С. 8.

    21. См.: Об отправке в цензуру и о возвращении обратно пьес по русской труппе (1836) // РГИА, ф. 497, оп. 1, ед. хр. 7266, 117 л.

    22. Там же.

    23. Цит. по: Дризен Н.В. Драматическая цензура двух эпох. С. 41.

    24. Там же.

    25. Там же. С. 41–42.

    26. Цит. по: Дризен Н.В. Драматическая цензура двух эпох. С. 42.

    27. Там же.

    28. Протоколы русских и немецких драматических сочинений (1828 — 1836) // РГИА, ф. 780, оп. 1, ед. хр. 44, л. 600–601.

    29. Там же.

    30. Рапорты о пьесах, рассмотренных в 1843 году // РГИА, ф. 780, оп. 1, ед. хр. 20, л. 16.

    31. Там же.

    32. Вольф А.И. Хроника Петербургских театров… Ч. 1. С.50.

    33. См.: Ельницкая Т.М. Репертуарная сводка // История русского драматического театра. Т. 3. С. 305.

    34. Письма Никалая I к цесаревичу Александру Николаевичу // Николай I и его время. Т. 1. С. 15.

    35. Гоголь Н.В. Письма // Гоголь Н.В. Собр. соч.: В 14 т. М., 1952. Т. 11. С. 98.

    36. Там же.

    37. Рапорты о пьесах, рассмотренных в 1842 году // РГИА, ф. 780, оп. 1, ед. хр. 18, л. 85.

    38. Там же.

    39. Там же. Л. 92.

    40. Там же.

    41. Там же.

    42. Рапорты о пьесах, рассмотренных в 1842 году // РГИА, ф. 780, оп. 1, ед. хр. 18, л. 60.

    43. Гоголь Н.В. Письма // Гоголь Н.В. Собр. соч. в 14 т. Т. 12. С. 120.

    44. В данном случае имеется в виду не цензор М.А.Гедеонов, а его отец, директор Императорских театров А.М.Гедеонов.

    45. Гоголь Н.В. Письма // Гоголь Н.В. Собр. соч. в 14 т. Т. 12. С. 121.

    46. См.: Литературный вестник. 1902. Кн. 5. С. 24.

    47. Имеется в виду вторая редакция «Ревизора», которая была запрещена цензурой как отличная от той, что одобрил Николай I.

    48. Гоголь Н.В. Письма // Гоголь Н.В. Собр. соч. в 14 т. Т. 12. С. 109.

    Кушляева Оксана

    Блог

    Сегодня, 28 ноября, в 19.30 смотрите на «Открытой сцене» на улице Народной,1 премьеру — спектакль «Блондинка» по пьесе Александра Володина в постановке Екатерины Максимовой. На лаборатории «ON.ТЕАТР» 2010 года «Блондинка» победила в двух номинациях («лучший спектакль», «лучшая женская роль»)

    Александр Володин. «Блондинка». Лаборатория «ON.ТЕАТР».
    Режиссер Екатерина Максимова, художник Сергей Лавор

    У «Блондинки» небольшая история постановок. Спектакль Георгия Товстоногова с Алисой Фрейндлих в главной роли не стал такой легендой, как, например, «Пять вечеров» в том же БДТ или «С любимыми не расставайтесь» в ленинградском Ленкоме. В Москве была «Блондинка» Камы Гинкаса — вот, кажется, и все. Перед режиссером стояла трудная задача — актуализировать историю, которая, на первый взгляд, уже давно канула в лету.

    В пьесе этой мы встречаемся с «володинским феноменом» — девушкой-блондинкой, без образования, без работы, без четкой цели, бегущей за счастьем. Посреди тусклой советской реальности она позволяет себе небывалые сумасбродства: пренебрегает любовью младшего научного сотрудника и снимает квартиру для человека, занимающегося сомнительными театральными тренингами с заводской молодежью, берет в долг деньги, улетает за ним в Киев, возвращается и снова улетает, устраивается работать на завод и тут же увольняется, не в силах вытерпеть однообразия, а главное, она не знает, «как жить благоразумно, ползком». Во время написания пьесы такая блондинка, как она сама выразилась, «портила пейзаж», теперь каждая вторая «блондинка» бежит по этой замкнутой траектории, стремительный бессмысленный бег стал привычен, даже вошел в норму, а вот скорости стали другими. Именно современного ускорения и добавляет режиссер володинской пьесе.

    Сцена из спектакля «Блондинка».
    Фото — Татьяна Иванова

    Сергей Лавор сооружает занавес и кулисы из старых обоев, намекая на то, что здесь играют не «ретро-спектакль», а лишь спектакль в ретро-одежде. Атрибуты советского быта, будь то обои, старая дверь, столик, радиоприемник, — это лишь условия игры. Одновременно эти вещи-островки вместе с героями, прикрепленными к ним (мать Ирины весь спектакль сидит за столом слева, неудачливый жених Миша — справа, а ее возлюбленный Лев почти все время проводит в горизонтали матраса на авансцене), представляют собой карту-маршрут главной героини, бегущей по кругу, от одного пункта назначения к другому, не в силах остановиться. В центре этой экспозиции на штанкете подвешен канат, с помощью которого героиня перелетает, стремясь к чему-то или от чего-то, однако лишь наворачивая круги. В чем смысл или причина этого стремительного движения? Может быть, Ирина бежит в поисках того зыбкого чувства, определение которого должно было бы оказаться в БСЭ между «Любовичем» и «Любомировым»? Но даже всеведущая «большая советская» не рискнула разъяснить столь запутанный термин. Вот и героиня словно не в силах определиться ни с любовью, ни с другими важными понятиями, игнорируемыми энциклопедиями и тогда («Большими Советскими»), и теперь («Википедиями»).

    Режиссер сокращает сценарий «Блондинки», отметая побочные линии, так же, как и героиня, мы задеваем их только по касательной: вот пролетела мимо Миши, мимо обожаемого Льва, мимо мамы — и опять на новый круг в поисках «необыкновенного»…

    Ира (та самая Блондинка с большой буквы) в исполнении Натальи Бурмистровой принадлежит словно двум эпохам сразу. «Володинская» в самой своей сути, приносящая всю себя в жертву заурядному, слабохарактерному Льву, «рисующая красивый пейзаж, стоя на пустыре», она вместе с тем узнаваемая современная женщина — решительная, несколько расчетливая, грубоватая, не всегда чуткая к окружающим, живущая в стремительном ритме. Джинсы, кеды, рубашка, длинные светлые волосы, собранные в хвост, беспокойный взгляд — внутри нее работает какой-то моторчик, заставляющий постоянно перемещаться. Героине на протяжении всего спектакля вторит музыка, монотонно-стремительная, она вдруг обрывается, оставляя нас в тишине, в предчувствии конца, и через несколько секунд вновь продолжает свой бег. Мать главной героини (Валентина Панина), почти не двигаясь с места (стоя у своего столика в левом углу или сидя за ним), играет такую же блондинку, только уже остановившуюся, успокоившуюся. Жестоко поступает Ира со своим постаревшим отражением.

    Мать. А ведь можно жить и с людьми. И для людей. Ты не задумывалась?

    Ира. Есть такие — уверяют себя, что живут для других. А самим на все наплевать.

    Мать. На кого намекаешь?

    Ира. Разумеется, мамочка, это ты о себе говорила, что надо жить для людей. Наверное, ради этого и переползаешь с должности на должность. А что, если это только самооправдание? А на самом деле — обыкновенное тщеславие?

    Мать. Это я переползаю?..

    Мать тихо глотает оскорбление. В ее грустных и мудрых глазах — знание: она знает, что не будет никакой свадьбы с Михаилом, что опять ее дочь кинется в бега, что снова вернется зализывать раны, и, зная все это, она все же пытается как-то помешать, предостеречь, но тщетно: небольшая передышка, пауза, тишина — и снова, раскачиваясь на канате, блондинка летает под потолком. Потому что, если остановишься, все станет просто и скучно, все вдруг получит свое простое определение. И окажется что Лев — заурядный человек, что жизнь Михаила разбита по ее вине, что Ирина причиняет боль самым близким ей людям, даже не замечая этого, что сама она просто бежит по кругу.

    «Ну вот, Миша. Все лишнее рухнуло, и открылось огромное, хорошо унавоженное пространство. Ржавая проволока, битый кирпич…» — резюмирует героиня, остановив на краткий миг свой бег, но там, где Володин поставил точку, режиссер продолжает движение. Для современной блондинки — это всего лишь передышка, она уже не в силах остановиться, ведь если очень быстро бежать, то ржавая проволока, битый кирпич, серые лица людей вокруг превращаются в размытый цветной пейзаж.

    admin

    2010/2011

  • Александр Володин
  • БЛОНДИНКА
  • РежиссерЕкатерина МАКСИМОВА
  • ЗвукорежиссерОльга АРКАДЬЕВА
  • Художник по светуЛариса НОВИКОВА
  • Действующие лица и исполнители
  • ИринаНаталья БУРМИСТРОВА
    Оксана Кормишина
  • ЛевВлад КОМАРОВ
  • Мать ИриныВалентина ПАНИНА
  • Пожилая женщинаГалина КОСТИНА
  • МишаСергей СОБОЛЕВ
  • Сестра ЛьваЕлизавета ПРИЛЕПСКАЯ
  • ЛюбовьОльга ДРАГУНОВА
  • Щагина Светлана

    Блог

    Жан Жене. «Служанки». Театр «Приют комедианта».
    Режиссер Ксения Митрофанова, сценография и костюмы Сергей Илларионов,
    свет Евгений Ганзбург

    «Служанки» Ксении Митрофановой начинаются с многообещающей ноты: четыре артиста навытяжку и в дезабилье стоят на фоне проецируемой на сцену фотографии Марики Рокк, кинозвезды трофейных фильмов. Звучит победительная немецкая песня. Впрочем, музыка скоро заканчивается, изображение любимой актрисы Гитлера пропадает, оставляя нам рябь телевизионных помех. Как постепенно выяснится, экранные помехи — ключевая метафора этой постановки, где смешалось все.

    В одноактной драме Жана Жене рассказывалось о доведенной до абсурда театрализации жизни. Главные действующие лица пьесы, сестры-служанки Соланж и Клер, ежедневно рядились в платья своей хозяйки, Мадам, репетируя ее унижение и гибель. В процессе игры плебс пытался закрыть гештальт: уничтожить социальное неравенство, тоску по свободе и то, что в реальности возвыситься до Мадам невозможно. Протест черни против бытия в пределах кухни приводил к трагическому финалу. Служанки слишком рьяно, до смерти, вживались в роли, Мадам — ускользала.

    Сцена из спектакля «Служанки».
    Фото — Игорь Андреев

    Пьеса «Служанки» — ларчик, который открывается не просто. В 1988 году Роман Виктюк, обладая эстетическим чутьем особого рода, сумел подобрать к сверхабсурду Жене изящно выточенный ключ, создав обволакивающее, трагическое действо с эротическим подтекстом, музыкой Далиды и мужчинами в главных ролях.

    Ксения Митрофанова пытается подойти к пьесе со своей оригинальной отмычкой. Режиссер удваивает количество персонажей, давая поиграть в «Служанок» артистам обоих полов. Одни и те же сцены здесь идут в очередь: первый дубль достается мужчинам, следующий — женщинам (друг с другом до поры до времени пары не сходятся). Жанр «Служанок» обозначен в программке как «фарс» — значит, разрешена фривольность содержания и внешний комизм. Все это присутствует, и местами действительно забавно наблюдать, как семенит и юлит гуттаперчевая Соланж в исполнении Макса Диденко, как приземисто и ловко существует эта «служанка» рядом со своим антиподом — долговязой, долгорукой Клер Ивана Стрелкина (очевидно и то, что приглашены в спектакль молодые люди во многом ради этого внешнего контраста, расчета на комический эффект). Занятно следить, как утрированно ведет себя Клер (Гала Самойлова), а мрачная Соланж (Светлана Михайлова) заглушает ее приказы неумолимыми ударами в серебряный поднос, как в гонг. Но далее этого «забавно», отыгрываемого текстом Жене и натренированными, пластичными артистами, дело не идет. Здесь недостает даже фарсовости, и понять, над чем иронизирует автор постановки, ради каких высоких целей затеяна эта двойная игра, невозможно. Мужчины здесь не становятся женщинами — они именно изображают женщин, даже называя друг друга в мужском роде. Иногда говорят намеренно капризными голосами, иногда своими, мужскими. Соланж Макса Диденко — существо вкрадчивое и коварное, Соланж Светланы Михайловой — тишайшая, одетая в мышиное платье язва с подколодными мыслями. Ничем принципиально эти двое друг от друга не отличаются. Что нам пытаются сказать? Что мужчин больше не существует? Что все различия между людьми стерты? Видимо, так и есть: во втором акте вы заметите выглядывающее из-за ширм кривое зеркало. Около него разнополые персонажи «Служанок» начнут, наконец, сталкиваться, намекая на двойничество.

    Сцена из спектакля «Служанки».
    Фото — Игорь Андреев

    Впрочем, в этих «Служанках» всему найдется место. Например, вселенскому пафосу и мировой (зачем мелочиться) скорби: «действие спектакля происходит во Франции времен немецкой оккупации, в обстановке концентрированного трагизма, когда шум эпохи врывается через слуховое окно, стираются нравственные границы, обнажаются язвы человечества, обостряются социальные противоречия» (из аннотации). Понятно, что при таком градусе пафоса уже не до фарса. Попахивает трагедией.

    Просвещенные аннотацией, вы мужественно переживете момент, когда на лица оторопевших «служанок» ляжет тень видеопроекции: стая фашистских самолетов, летящих по сизому небу. Параллельно зловещему видеоряду вы услышите шум довоенного, и, разумеется, навсегда утраченного героями постановки мирного времени — щебет птиц, гам улицы. Вы ничуть не удивитесь, когда на сцену в эсэсовском форме вступит Мадам в исполнении Антона Мошечкова, а вскоре его женский двойник (Мадам Татьяны Морозовой) явится дивой в духе Марлен Дитрих. Вы даже не возмутитесь, как артист Мошечков, в лучших традициях худшего КВН, оборотится «голубым» — теперь вы готовы допустить все, что угодно. И если в следующий раз в программке появится приписка: в память жертвам СПИДа, репрессий, терактов и т. д., вы и эту весть примете хладнокровно, как само собой разумеющееся. Потому что за слова здесь никто не отвечает, а значит — невозможное возможно.

    Но если серьезно: какая еще оккупированная Франция? К чему? После этих «Служанок» стопроцентно утверждать можно только одну простую вещь: режиссер — из синефилов. А сам спектакль — старательный и наивный оммаж классическому антифашистскому кинематографу. Никакого иного смысла, кроме влюбленности к кино, эта постановка не несет. Досадно только, что вместо привета эпохе получился полный привет.

    admin

    2010/2011

  • ВЕРОЯТНО, ЧАЕПИТИЕ СОСТОИТСЯ
    По мотивам книг Льюиса Кэролла «Алиса в стране чудес» и «Алиса в Зазеркалье»
  • РежиссерАлексей Шишов
  • Роли исполняют:
  • Павел Иванов, Наталья Коробейникова, Алексей Полищук, Наталья Потапова, Ольга Фирсова