«Цирк». Мюзикл по мотивам фильма Г. Александрова «Цирк».
Театр Наций.
Режиссер Максим Диденко, художник Мария Трегубова.

«В этот синий, синий свет, где ни слез, ни горя нет, сердце хочет улететь от бед» — кажется, именно эта фраза из «Колыбельной» Лебедева-Кумача, которую пела Любовь Орлова в советском кинохите «Цирк», стала ключевой для режиссера Максима Диденко и художника Марии Трегубовой, сделавших синий основным цветом в спектакле «Цирк». Синий круг сцены — он же цирковой манеж, синий рояль, синяя мебель, синие гротескные костюмы, синие шляпы, усы, бороды, губная помада, брови, букеты цветов, пальма, даже львы. В этом выдуманном синем мире «ретрофутуризма», как определяет его сам режиссер, в этой фантасмагории слезам места действительно нет. Сплошной «шик, блеск, красота, тра-та-та, тра-та-та» — цирк, который здесь и вид зрелища, и аббревиатура с расшифровкой «центр исследования русского космоса», и вся российская действительность, фантастически счастливо существующая между двумя крайностями: «полетим!» или «расстрелять!» — так недвусмысленно заявляет директор этого цирка Людвиг Осипович, он же Владимир Ильич Ленин (Андрей Фомин).

Сегодня 55 лет исполнилось замечательному режиссеру, художественному руководителю Театра им. Г. Камала. Начиная с 1992 года, ПТЖ писал и продолжает писать о спектаклях Фарида Бикчантаева: «Ромео и Джульетта», «Голубая шаль», «Однажды летним днем», «Дон Жуан», «Антигона» и многое-многое другое. Поздравляем и предлагаем вашему вниманию интервью Марины Дмитревской, опубликованное в № 78.

80 лет профессору Кафедры русского театра, доктору искусствоведения Г. В. Титовой.

…Как-то мы играли в ассоциации. Было несомненно, что цвет Титовой — красный, яркий, чистый, пламенный. Такова ее роль в науке и в нашей жизни.

Для Титовой все принципиально. Она не хочет компромиссов. Когда она выступает на кафедральных обсуждениях — текстов, тем, планов, — она говорит с высоты максимально возможного уровня театроведения. Собственно, она сама и воплощает этот максимально возможный уровень. Ее голос — это голос театроведческой научной традиции. Титова сохраняет, охраняет, развивает традицию. Если она соглашается с обсуждаемым, для нас это виза научной грамотности. Ее традиция — не архаика. «Только „футуризм с родословной“ мог претендовать на права театрального метода», писала она (Титова Г. В. Творческий театр и театральный конструкти¬визм. СПб., 1995, с. 211. — Перечитайте!)

Евгению Марчелли — 60! Верится с трудом.

Кажется, что все это было совсем недавно — «Дачники», «Фрекен Жюли», «Екатерина Ивановна», «Без названия»  — и то острое чувство жизни, которые вызывали и вызывают эти спектакли. Наверное каждому, будь то актер, театровед или просто зритель, Евгений Марчелли когда-то преподал урок театрального бесстрашия, замечательного художественного бесстыдства, с которым раз за разом рассказывал про «естественного человека», чья природа задавлена и искажена запретами, как внутренними, так и внешними, и чей протест выливается на поверхность неровными и буйными толчками.

В России театр Марчелли стоял и стоит особняком. Наверное, потому, что это театра не рефлексии, а мощного психического катаклизма, не задавленного сомнения, а  остроты чувств и выраженного конфликта.

Дорогой Женя, Евгений Жозефович! Поздравляем с юбилеем. И открываем интервью, данное журналу три года назад.

За ненапряжный досуг в репертуаре Няганского театра юного зрителя отвечает лишь одно название — «Примадонны» Кена Людвига. Остальное же — и детское, и взрослое — требует от зала некоторых усилий, эмоциональных и умственных, и еще — эстетического чутья. Булгаков, Гоголь, Цветаева, Булычев. Няганский ТЮЗ, осознавая свое географическое положение, берет на себя функции, в идеале присущие театру малого города, — функции культурного центра, места непрерывного творчества. Здесь осваивают новые форматы, здесь развивается бэби-театр, жалующий титул зрителя недавно родившемуся человеку, здесь занимается театральная студия, здесь несколько месяцев назад провели Class act, драматургическую лабораторию — скоро обещают спектакль по пьесам, написанным подростками.

Весь апрель по субботам и воскресеньям на территории Драматического театра Балтийского флота проходили показы спектаклей молодых режиссеров (выпускников мастерской Ю. М. Красовского).

Диапазон материала для сценического прочтения, на первый взгляд, отличался эпической широтой: от детского спектакля 5+ до документального вербатима о русских подводниках. Причина такого вовсе не тематического способа формирования афиши оказалась до очевидного проста: желание театра оставить как можно больше спектаклей в своем репертуаре и при этом закрыть возникающие жанровые пустоты.

«Урод@добрыймальчик. ru». По мотивам повести А. Погорельского «Черная курица, или Подземные жители».
Театр «Святая крепость» (Выборг).
Режиссер Кирилл Сбитнев, художник Марина Суровенкова.

В советском прошлом произведение Погорельского оставалось за рамками школьного обязательного списка литературы, и знание этого сюжета-моралите четко указывало на принадлежность индивидуума к интеллигенции. «Ах, он ʺЧерную курицуʺ не читал?» Считайте, клеймо. Тот же, кто в детстве по маминому наущению читал историю Алеши, навсегда запомнил ощущение фрустрации от жесткого (если не сказать жестокого) конца повествования. История-то вполне взрослая, взывающая к мыслительному процессу и душевной работе. И вполне ужасная. Писатель сам четко указал жанр «Черной курицы» — «волшебная повесть для детей». То есть совсем НЕ сказка с понятной детям типичной сюжетной схемой «завязка — приключения — счастливый конец»…

«Еврейское счастье». По повести Л. Улицкой «Мой внук Вениамин».
Пермский театр юного зрителя.
Режиссер Михаил Скоморохов, художник Ольга Трофимова.

«Хорошая работа из моды не выходит». Эти слова Эсфири Львовны, главной героини пьесы Людмилы Улицкой «Мой внук Вениамин», как нельзя лучше характеризуют премьеру Пермского ТЮЗа. Новый спектакль Михаила Скоморохова, несомненно, олдскульный, но в данном случае это скорее плюс, чем минус.

У постановки название «Еврейское счастье», что несколько обедняет тематику и выделяет национальную проблему, в то время как ценность пьесы Улицкой именно в ее интернациональности. Впрочем, еврейская тема в спектакле излишне не подчеркивается ни в костюмах, ни в характерном говоре, что позволяет спектаклю подняться над конкретикой и выйти на философский уровень осмысления.

«Вино из одуванчиков». По мотивам повести Р. Брэдбери.
Глазовский театр «Парафраз».
Режиссер, автор инсценировки и художник Дамир Салимзянов.

В крошечный огрызок времени, освободившийся между большими городами и аэропортами, гостиницами и поездами, хорошо забросить себя в Глазовский театр «Парафраз» и откупорить бутылочку «Вина из одуванчиков», ту самую, которая возвращает в детство, или, вернее, в тот невозможный, небывший миг времени, когда ты-взрослый и ты-ребенок встречаются и вместе, усевшись на крыльце дома, молча болтают ногами…

«Дуглас Сполдинг, двенадцати лет от роду, только что открыл глаза и, как в теплую речку, погрузился в предрассветную безмятежность». Так начинается повесть Рэя Брэдбери «Вино из одуванчиков». Я — Дуглас Сполдинг, двенадцати лет от роду, говорит режиссер и актер Дамир Салимзянов, — «только что я открыл глаза и, как в теплую речку, погрузился в предрассветную безмятежность. Дети так не говорят… Но… так чувствуют». «Так чувствуют!» — повторяет он, словно бы настраивает какую-то диковинную машину для пространственно-временных перемещений.

Вышел № 2 журнала «Замыслы»

Когда растет ребенок, его дни рождения отмечают чуть не каждый месяц. И фотографируют его бесконечно, понимая, что момент не вернется.

Когда возникает журнал, его первые номера — как фотографии того самого ребенка. К ним отдельный интерес. И каждый номер — праздник (так было и в «ПТЖ»). Это спустя годы, с приобретением периодичности, эксклюзивность пропадает, а пока «на первый-второй рассчитайсь» — это как рождения ребенка каждый месяц.

Два года назад, выпуская номер журнала к 50-й годовщине Дня Победы, мы провели своего рода опрос членов редакции на тему, «какое значение лично для вас имеет тема войны», насколько актуальна она в жизни и искусстве. Сейчас, когда георгиевские ленточки стали вменяться в обязанность, а саратовских школьников принуждают к участию в акции «Бессмертный полк», кажется особенно важной тема личного опыта, семейной памяти, которую можно и нужно противопоставлять безличному официозу. Предлагаем и вам вместе с нами в канун праздника вспомнить, как это было...

«С любимыми не расставайтесь». А. Володин.
Коми-Пермяцкий драматический театр им. М. Горького (Кудымкар).
Режиссер Татьяна Воронина, художник Любовь Мелехина.

Из своей версии пьесы «С любимыми не расставайтесь» московский режиссер Татьяна Воронина изгнала конкретное володинское время, в ней правят сегодняшние реалии, нравы и ритмы. Спектакль стилизован под бродилку и превращен, как сказано в подзаголовке, в «свадебное путешествие». Он начнется с развеселого пролога, когда многочисленные пары невест и женихов, прежде обжимавшиеся в разных углах зрительского фойе, ввалятся шумной гомонящей вереницей на сцену прямо через зрительный зал. Он будет длиться в бесконечном кружении толпы, которая по ходу дела разобьется сначала на супружеские пары, а потом — на одиноких людей, подгоняемых движением поворотного круга, и сомкнется воедино снова. Закончится все внезапным ступором после традиционного Катиного вопля: «Я скучаю по тебе!» — очень странно. Справа над сценой, в мерцании зеленоватых электрических лампочек вспыхнет огромными нескладными буквами расхожее утешение: ВСЕ БУДЕТ ХОРОШО! И вроде бы надпись эта должна восприниматься как чистое обещание happy end’а после невзгод и проблем, обозначенных в спектакле. Но нет. Холодное мерцание лампочек тревожит, будоражит, превращается, скорее, в наше проявленное желание счастливого финала, которому вряд ли суждено сбыться. И потому такие славные привычные слова воспринимаются, скорее, как предложение зрителям и дальше, уже после спектакля, не перестать тревожиться о том, что было сыграно в этот вечер на сцене.

В рамках XIV Фестиваля «Арлекин» прошла режиссерско-драматургическая лаборатория «В театр на „Самокате“»

Подобные лаборатории на «Арлекине» не первый год. Их бессменным инициатором выступает иностранный отдел РГИСИ (в этом году — Юлия Клейман и Мария Слоева). Но если, например, в прошлом году режиссеры-участники работали с готовым материалом — немецкоязычными пьесами из сборника «ШАГ 11+», то в этом году создание пьес стало одним из этапов лаборатории. В качестве литературной основы молодым драматургам (мастерская Натальи Скороход) и режиссерам (ученики, недавние выпускники РГИСИ) организаторами были предложены пять книг, выпущенных знаменитым издательством «Самокат», специализирующимся на современной европейской прозе для детей и подростков. Организаторы провели переговоры с издательством, издательство — с авторами. Режиссер писал экспликацию, драматург — пьесу. Их работа шла едва ли не параллельно, пары решали общие художественные задачи. Насколько продуктивным и не иллюстративным может быть подобный сговор, показали эскизы.

XIV Всероссийский фестиваль театрального искусства для детей «Арлекин»

В день закрытия четырнадцатого по счету фестиваля «Арлекин» его организаторы и участники были обескуражены новостями из Омска, как ни странно — с форума партии «Единая Россия», где с самой высокой трибуны прозвучала идея: создать всем давным-давно необходимый всероссийский мультижанровый фестиваль театра для детей в качестве «первой ступени» «Золотой Маски» (именно так выразился премьер-министр России). Д. А. Медведев поддержал «инициативу», с которой выступил артист Сергей Безруков, худрук столичного Губернского театра. Слово «инициатива» взято мной в кавычки, потому что нельзя открыть уже открытую Америку и создать уже существующий, полноценно с 2004 года работающий всероссийский фестиваль-конкурс! Конечно, Безруков знает об «Арлекине», однако он рискнул ввести в заблуждение неосведомленную в этом отношении партийную общественность и, страшно сказать, непосредственно главу правительства. Цель этой стратегии ясна: получить весомую материальную поддержку для запуска собственного фестиваля, по ходу дела позаимствовав у питерских коллег идею национальной премии в области театрального искусства для детей.

«Саша, вынеси мусор». Н. Ворожбит.
Молодой театр (Киев).
Режиссер Тамара Трунова.

Пьеса «Саша, вынеси мусор» впервые прозвучала на фестивале «Неделя актуальной пьесы» в ноябре 2014-го, а после, в течение трех лет, была поставлена в Москве (режиссер Виктор Рыжаков), Минске (режиссер Дмитрий Богославский ), Паневежисе (режиссер Станислав Моисеев). И только теперь на родине, в Киеве (режиссер Тамара Трунова). Более того, с момента премьеры «Саша…» уже успел побывать в числе номинантов на премию «Золотая Маска — 2017» и съездить на читку в рамках фестиваля «PEN World Voices: International Play Festival 2017» в Нью-Йорк.

«Таланты и поклонники». А. Н. Островский.
Театр «Балтийский дом».
Режиссер Иосиф Райхельгауз, художник Татьяна Анастасова.

Когда Иосиф Райхельгауз, режиссер и художественный руководитель «Школы современной пьесы», скандирует, что никогда не ставил классику, он, конечно, несколько лукавит. Еще в прошлом веке шла его чеховская «Чайка», и как показывают рецензии — не вполне удачная. Оно и понятно, в одном из интервью Райхельгауз признается: ему трудно выдумать очередную интерпретацию того, что уже в своем роде стало интерпретацией, а вот найти пресловутое «вечное» и важное в современном тексте, никем не тронутом, задача интереснее. Поэтому предложенные «Балтийским домом» «Таланты и поклонники» стали определенным вызовом и в его прочтении приобрели почти экзистенциальный характер.

Лаборатория по драматургии Аси Волошиной «Пространство драматурга» прошла в Театре им. Ленсовета

Основная цель этой режиссерской лаборатории, несколько раз подчеркнутая главным режиссером театра Юрием Бутусовым, — раскрыть пространство драматургии Аси Волошиной, увидеть и воплотить пьесу, а не текст. Здесь же видится и главная задача — взломать сопротивляющуюся литературную оболочку своей отмычкой, перевести на язык режиссуры, проверить продуктивность возможного взаимодействия драматургического и сценического текстов на зрителе, добраться до разговора о человеке, его болях и чувствах. И то, насколько по-разному режиссеры подошли к выбору языка и формы сценического воплощения пьес Волошиной, дало любопытный результат, безусловно, являющийся поводом к размышлению и обсуждению.

«Написано на коже». Музыка Д. Бенджамина, либретто М. Кримпа.
Оперный фестиваль Экс-ан-Прованса (Франция) в Москве.
Режиссер Кэти Митчелл, художник Вики Мортимер.

Высказывание Кэти Митчелл никогда не бывает центростремительным. Его звучание всегда полифонично, сюжет помещен в рамку, и именно на границе между основным действием и его обрамлением она проводит свои детальные поисковые работы. Ее «что» интересно ей в тот момент, когда она сама в восторге от своего «как». Иногда она подбирает материал под метод, а не наоборот. И тогда текст становится ключом к выбранному инструменту. Так строилась целая серия ее мультимедийных работ, сталкивающая театральный и киноязык: начало этому пути положил спектакль «Волны», а апогея метод Кэти Митчелл достигал в «Желтых обоях» и «Фрекен Жюли». В опере Джорджа Бенджамина «Написано на коже», впервые представленной на оперном фестивале Экс-ан-Прованса в 2012 году, видео нет, но очерченная и тут же размываемая граница не менее важна.

«Водка. Ебля. Телевизор». М. Курочкин.
«Театр переселенца» на сцене Центра современного искусства «ДАХ» (Киев).
Режиссер Георг Жено.

Спектакль «Водка. Ебля. Телевизор» в постановке Георга Жено включает в себя пять давних коротких пьес Максима Курочкина («В ожидании детального глобуса», «Выключатель», «Почти Айвазов», «Абрау-Дюрсо», «Водка. Ебля. Телевизор»). Он — первый не документальный спектакль для «Театра переселенца»: театр впервые работает с современной драматургией. Жено задействует в спектакле как участников предыдущих спектаклей «Театра переселенца», так и профессиональных актеров киевских театров.