О VII Межнациональном театральном фестивале «Сообщение» в Кудымкаре

С 19 по 26 октября в Коми-Пермяцком национальном драматическом театре (город Кудымкар) проходил VII Межнациональный театральный фестиваль «Сообщение». На этот раз он был приурочен к 100-летию Коми-Пермяцкого округа. В фестивале, действующем при поддержке Администрации губернатора и Министерства культуры Пермского края, участвовали театральные коллективы из Татарстана, Удмуртии, Карелии, Марий Эл, Ханты-Мансийского автономного округа и Пермского края, а также из Армении. Помимо русского со сцены звучали языки тюркской, финно-угорской и индоевропейской групп. Играли театры из Ханты-Мансийска и Йошкар-Олы, Лысьвы и Сарапула, Петрозаводска, Еревана и самого Кудымкара.

Сцена из спектакля «Главное, чтобы не было скучно».
Фото — Антон Порсев.

Восемь спектаклей были представлены вживую, еще два — в режиме видео, и каждый обсуждался театральными критиками в присутствии труппы и зрителей. Афиша, собранная программным директором фестиваля Татьяной Тихоновец, содержала и пьесы, и инсценировки прозы, и мультижанровый опыт, и актуализированную классику, и прочную театральную традицию, и эксперимент, и даже пантомиму. Скучать не приходилось. Фестиваль, носящий название «Сообщение» и каждый вечер посылавший публике прямой призыв «сообщайтесь!», имеет отчетливый национальный акцент и в первую очередь стремится поддержать и озвучить то новое и ценное, что рождается на просторах многоязыкой и многокультурной России. Однако, имея международный статус, зовет спектакли и из других стран. В нынешней афише Пушкин, Шекспир и Чехов соседствовали с Шукшиным, Распутиным и Владимиром Геллером, с татарскими авторами, но были и спектакли, сочиненные как сценический текст без первоначальной литературной основы. Таков «Родной земли напевы. Генезис» Театра обско-угорских народов «Солнце», названный его автором и режиссером Виктором Евдокимовым «диджитал-притчей». Спектакль и вправду использует цифровые технологии, а точнее — ловко сочетает их с живой исполнительницей так называемых «родовых» песен Верой Кондратьевой. Спектакль, тема которого самоидентификация народа, сплавляет память предков с миром современного человека, убеждает, что можно прорастить одно в другое, не впадая в «сувенирный» пафос. Древняя песня и обряд здесь вписаны и в игру с предметом, и в экранные компьютерные изображения объектов природы, стародавнего быта и национальной культуры. За этот удачный опыт соединения автор спектакля был удостоен приза Ассоциации театральных критиков.

Сцена из спектакля «Русалка».
Фото — Антон Порсев.

Спектакль ереванского театра «Метро» «Главное, чтобы не было скучно» посвящен памяти великого мима и клоуна Леонида Енгибарова. Режиссер Сона Мартиросян, оттолкнувшись от мини-текстов самого Енгибарова, выстраивает на сцене романтическую историю одиноких чудаков, легким пунктиром вплетая в нее фрагменты знаменитых пантомим этого артиста и малую толику слов. Актеры очень молоды, их невозможно «заподозрить» в личном опыте общения с искусством Енгибарова, однако печальная, светлая суть его творчества и его особая человечность ими, кажется, были прочувствованы и присвоены. Гости из Армении получили спецприз жюри «За творческий диалог с лирическим миром Леонида Енгибарова».

В некоторой степени экспериментальной стала и постановка пушкинской «Русалки», показанная Сарапульским драматическим театром им. М. Горького. Оборванная на полуслове романтическая драма Пушкина время от времени ставится на наших сценах, но практически никогда не дается в режиссерские руки. Мощная образность, роскошный стихотворный слог, сама история любви, предательства и мести, да еще и мистика в придачу — очень трудный, хотя и весьма соблазнительный материал. Режиссер Анна-Ксения Вишневская, опрокинув события в удмуртские реалии, придумывает любопытный зачин: почти в формате театра doc нам рассказывают «реальные», леденящие кровь истории превращения несчастных девушек-утопленниц в русалок. Это «мокьюментари» чрезвычайно увлекательно и очень театрально, в том числе благодаря этническим одеждам и сценографии Любови Мелехиной. Жаль, что далее, разыгрывая уже собственно пушкинский сюжет, театр теряет и оригинальность хода, и способность разбора событий и характеров — просто следует за сюжетом на уровне красивого ритуала. А все же спецприза жюри «За синтез русской классики с традиционной удмуртской культурой» театр был удостоен.

Сцена из спектакля «Дядя Ваня».
Фото — Антон Порсев.

Гран-при фестиваля получил спектакль «Дядя Ваня» Марийского национального театра драмы им. М. Шкетана. Впрочем, он весьма жестко конкурировал и с «Космосом» Лысьвенского театра драмы им. А. А. Савина, и с «Конокрадом» Альметьевского татарского драматического театра. Членам жюри в этой ситуации было очень непросто измерить художественный «вес», во всех трех случаях безоговорочно крупный. Победило соображение о сложности сценического текста, созданного режиссером Степаном Пектеевым, и о смелости, я бы даже сказала отваге, артистов национального театра, привыкших к совершенно иному способу сценического существования. В спектакле Пектеева есть деструкция и постмодернистская «пересборка» хрестоматийного текста; есть выразительный пластический язык, который оказывается сильнее слов; есть умная декорация Елены Андреевой (заброшенный железнодорожный путь с «порталом» в иной свет); есть экзистенциальное ощущение тупика; есть собрание неустроенных людей в некоем «чистилище» и их безнадежное упование на «небо в алмазах». Есть, наконец, сильный актерский ансамбль, в котором особенно выделяется Алексей Сандаков — Войницкий, человек с содранной кожей, все время находящийся на такой градусной отметке душевных мук, что за него становится страшно.

Сцена из спектакля «Конокрад».
Фото — Антон Порсев.

Альметьевский «Конокрад» (пьеса классика татарской драматургии Туфана Миннуллина) — это еще один роскошный актерский ансамбль, к тому же исключительно мужской: в спектакле Айдара Заббарова нет ни одной женской роли. Режиссер (он же здесь и сценограф) по своему обыкновению оперирует скупыми выразительными средствами — сцена практически освобождена от быта, есть только грубая, довольно агрессивно смотрящаяся груда автомобильных покрышек и большие деревянные лошади, с нежностью выкрашенные в белый цвет. Все здесь сосредоточено на человеке, практически на каждом персонаже из большого клана конокрадов, живущих как бы коммуной, в сущности — бандитов, однако имеющих свой кодекс чести — они воруют только у богатых, а бедным помогают. Во главе мощный Сибгат — Эдуард Латыпов (приз «За лучшую мужскую роль»), этакий татарский Робин Гуд, а в известной степени и дон Корлеоне (но не ментально, а исключительно психологически). Перед нами история трагического краха «горизонтальных» попыток строить справедливую жизнь там, где одна «вертикаль» всегда и последовательно сменяет другую. За царским режимом и каторгой приходит революционная диктатура, очень быстро заменяющая первоначальные идеалы добра на еще более жестокий диктат.

Сцена из спектакля «Космос».
Фото — Антон Порсев.

Еще одна сильная ансамблевая работа — «Космос», спектакль Андрея Шляпина в Лысьвенском театре драмы. Стройный, составленный по законам симфонии с ее четырьмя смысловыми эмоциональными частями, спектакль по рассказам Василия Шукшина становится действительно неким человеческим космосом. Сложно переплетенные в нем истории о мужчинах и женщинах, о любви и поисках смысла существования, о людях дельных и непутевых, осторожных и отчаянных, трезвых и пьющих, состоявшихся и пропащих играются лысьвенскими актерами в каком-то непостижимо филигранном соединении общего условного рисунка и одновременно тонких психологических деталей. Режиссер и художник Ольга Вологина создают этот «космос» человеческой жизни из, казалось бы, простых ингредиентов: вертикали и горизонтали свежих оструганных досок; светящийся планетарный круг, в который глядят наши деревенские философы; абсолютно естественные актерские оценки… Перед нами сложная театральная задача и ее легкое, виртуозное воплощение.

И вновь заметная ансамблевая работа — спектакль Коми-Пермяцкого национального драматического театра «Живи и помни» по Валентину Распутину (режиссер Юлия Беляева). Трагическую историю деревенской Настены (Ярослава Ульянова) и ее мужа-дезертира (Андрей Майбуров) здесь играют как народную трагедию войны, с женским «хором», комментирующим события фольклорными песнями. Важную роль играет пространство, созданное художником Любовью Мелехиной: по центру сцены высится контур деревенской избы, который поворачивается на круге, открывая новые уголки и закоулки происходящих событий. Одна из сторон конструкции — скользкий уклон металлического пандуса, гибельная плоскость как знак и трудной деревенской жизни, и тяжких условий нравственного выбора, и перспективы, и судьбы. Это сценографическое решение принесло Любови Мелехиной приз «За лучшую работу художника», однако выбор был непростым, так как еще две ее работы, созданные в других театрах, вполне могли составить ему конкуренцию.

Сцена из спектакля «Живи и помни».
Фото — Антон Порсев.

В частности, пространство спектакля Национального театра Карелии из Петрозаводска «Семь сов», где в камерных условиях возникает лаконичный образ дома мельника с чердаком, на котором обитает совиное семейство. В основу спектакля режиссера Юлии Беляевой лег киносценарий Владимира Геллера, написанный достаточно давно, однако именно сегодня отозвавшийся весьма актуально. Люди сдали в аренду совам свой чердак сроком на сто лет, но птичья ночная жизнь сильно мешает отдыху хозяев. Сов изгоняют, договор нарушен, а в результате и жизнь людей летит под откос. В откровенно притчевой форме театр исследует острейшую тему сосуществования людей разных менталитетов: нетерпимость, проблемы толерантности и ксенофобии — все это приходит на ум. Центр же этого спектакля — персонаж по имени Конферансье (актриса Ксения Коган удостоена приза «За лучшую женскую роль») — здесь абсолютно брехтовский персонаж, человек жесткого и беспощадного театра, поющий под собственный аккомпанемент зонги, ставящий неудобные вопросы и тонко рефлексирующий события.

Еще два спектакля, один петрозаводский и один альметьевский, нам показали в формате видео. Их в силу множества причин не удалось привезти в Кудымкар, однако оба могли бы составить успех любому серьезному театральному фестивалю. Один из них — «Ромео и Джульетта» (Национальный театр Карелии) режиссера Максима Соколова и «драматурга» Элины Петровой, которая активно адаптировала и актуализировала пьесу. Вместо Вероны — на сцене (художник Анастасия Юдина) ледяные просторы Крайнего Севера, место жестокого выживания, а, возможно, и лагерная зона. Герои говорят на самых разных языках (русский, финно-угорские и тюркские), а понимают друг друга отлично, на уровне животных инстинктов. Пара, изображающая «хор», по пояс вросла в мерзлую землю и похожа почти что на надгробные статуи. Дети, Ромео и Джульетта, влюбляются мгновенно, катаются по земле, как необузданные зверьки, вышедшие из-под контроля. Дух «Гамлета» с его промозглым Эльсинором и постоянным контактом с мертвечиной витает над сценой. Здесь еще один хор таких же обреченных, как Джульетта, девушек поет отчаянный рок, здесь правит мертвая стариковская власть, обрекая все дикое, вольное и молодое на неминуемую гибель.

Сцена из спектакля «Семь сов».
Фото — Антон Порсев.

Второй — спектакль Альметьевского театра «Лютый», острый, ироничный и горький постмодернистский сценический текст, созданный режиссером из Казахстана Алибеком Омирбекулы на основе исторической трагедии современного татарского автора Ркаила Зайдуллы «Поэт и хан». Действие происходит в «страшном» ХIV веке, когда прославившийся немыслимой жестокостью хан Золотой Орды Бердибек стремился сохранить территориальную и ментальную целостность своего народа, а в результате привел государство к полному развалу. В пространстве с восточным мозаичным полом и мутными застекленными стенами советской «столовки» разворачивается легкий, очень игровой и одновременно интеллектуально отточенный театр. Здесь недоумка Бердибека, взошедшего на трон еще подростком, играет актриса-травести (Диляра Фазлиева), а свита в восточном комедиантском духе комментирует: дескать, много ума для царствования и не требуется — знай ловко заговаривай зубы. Здесь бесконечные убийства происходят в будничном, бытовом режиме. Здесь, несмотря на роскошные «дворцовые» костюмы, совсем нет величия, а поэт (Айрат Мифтахов), с которым в типичном сказочном духе хан однажды поменялся ролями, в полной мере испил ту чашу, что обязательно уготована интеллигенции, вошедшей в контакт с властью. Умный, исполненный иронии, абсолютно авторский мир режиссера Омирбекулы нашел в сильной альметьевской труппе отличного союзника.

А сам фестиваль с остроумным и многозначным именем «Сообщение» еще раз подтвердил, что наша жизнь все еще не ограничивается форматом sms. Ведь каждый честно поставленный спектакль сейчас несет в себе важный месседж.